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Archivos Mensuales: noviembre 2016

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Manel Bosch

 
 

Rafael Botí

Rafael Botí

RAFAEL BOTI
Nace en Córdoba el día 8 de Agosto de 1900. Desde 1909 a 1916 estudia dibujo con Julio Romero de Torres, modelado con Victoriano Chicote e Historia del Arte con Ricardo Agrasot, en la Escuela de Artes y Oficios de Córdoba. Estudia música en el Conservatorio de Córdoba.
En 1917 se traslada a Madrid e ingresa en el Conservatorio para seguir sus estudios musicales. En 1919 conoce a Daniel Vázquez Díaz, imiéndo1v (les(¡<,
entonces una gran amistad y admiración; formando parte del primer grupo de alumnos, con Oasagasti, Pablo Zelaya, Díaz Caneja y Rodríguez Acosta. En este mismo año, ingresa mediante oposición en la Orquesta Filarmónica de Madrid como profesor de viola.
En 1929 y 1931 viaja a París para ampliar estudios de pintura, pensionado por la Diputación de Córdoba. En 193 1, ¡unto o clesl~u~ulc~s artistas rvilo
vadores (Emiliano Barra¡, Winthuysen, Planes, Moreno Villa, Castedo, Souto, Rodríguez Luna, Francisco Mateos, etc.) funda la «Agrupación Gremial de Artistas Plásticos» y lanzan un manifiesto de vanguardia dirigido a la renovación de la vida artística nacional. La guerra civil le produce un trauma y se aleja de la pintura hasta 1947.
En 1979 el Excmo. Ayuntamiento de Córdoba le nombra Hijo Predilecto de la Ciudad y le concede la Medalla de Oro de Córdoba, y la Real Academia de Córdoba le designa Académico Correspondiente. En 1980 el Ministerio de Cultura le concede la Medalla de Plata al Mérito en las Bellas Artes.
EXPOSICIONES PERSONALES
Círculo de la Amistad, de Córdoba, 1923. Casa Nancy, Madrid, 1927. Asociación de Artistas Vascos, Bilbao, 1933. Salón de Arte Moderno de la Biblioteca Nacional, Madrid, 1935. Círculo de Bellas Artes, Madrid, 1959. Escuela de Nobles y Bellas Artes de San Eloy, Salamanca, 1961. Galería Toisón, Madrid, 1962. Galería Lázaro, Madrid, 1972. Galería Studio 52, Córdoba, 1973. Galería Giotto, Madrid, 1974. Ateneo de Madrid, 1978. Galería Juan de Mesa, Córdoba, 1979. Conservatorio Superior de Música, Córdoba, 1983.
EXPOSICIONES COLECTIVAS MAS IMPORTANTES
Salón de Otoño, Madrid, 1921. Cuarto Salón 1, 0¡orlo, 11 Exposición de Arte, Sociedad Cordobesa de Arqueología, 1923. Exposición de Bellas Artes, Cádiz; Sexto Salón de Otoño y Círculo de Bellas Artes, Madrid, 1925. Exposición «Artistas Independientes» en el Salón «Heraldo de Madrid»; Exposición Nacional de Bellas Artes; Círculo de Bellas Artes, Exposición Internacional de Barcelona; Exposición Regional de Arte Moderno, Granada, 1929. Exposición del Patronato Nacional de Turismo «Casa de los Tiros» (en la que es galardonado), Granada; Nacional de Bellas Artes y Círculo de Bellas Artes, Madrid, 1930. Museo de Arte Moderno, Nueva Federación de las Artes y Lyceum Club Femenino, Madrid, 1932. Exposición Regional de Bellas Artes, Córdoba, 1936. I Bienal Hispanoamericana de Arte, 1951. Pintura Española Contemporánea, Lima; Homenaje a Vázquez Díaz y Arte Español Actual, Madrid, 1953. Homenaje a Velázquez; Arte Español 1925-35; Pintores y Escultores en la Fiesta de los Toros, Madrid, 1960, Homenaje a Zabaleta, 1961. XIII Exposición de Pintores de Africa, 1963. Exposición Nacional de Bellas Artes (en la que obtiene el Premio Diputación de Cuenca), Madrid; Homenaje a Mateo Inurria, Córdoba, 1964. Homenaje a Vázquez Díaz, Ayuntamiento de Monóvar; II Premio Círculo 2, Madrid, 1967. Pintura Actual, Galería Tartessos, Madrid; Exposición Homenaje Discípulos de Vázquez Díaz, Madrid, 1971. Homenaje a Juan Esplandiu, etc.
RAFAEL BOTI

Botí y sus maestros, presentan la pintura de quien se inicia en la música, ejerce de músico e hizo de sus barruntos una armonía sonora; del artista que se identifica con la iconografía y el clima sureño de Julio Romero de Torres, que le impulsa y le enseña a ver desde el sentimiento; y el músico-pintor que practica junto al maestro de la modernidad, don Daniel, andaluz nacido en la cuenca minera del Río Tinto, en Nerva, testigo en París de las primeras vanguardias, profesor, muralista, paisajista y retratista del mayor rango al que le unió una estrecha amistad. Maestros que le enseñaron a seguir siendo, y a abrirse a su tiempo en su espacio abierto, factores querenciales, existencialistas, que se aprecian en la pintura de Rafael Botí, en sus patios cordobeses o en los jardines del Retiro o del Botánico, naturalezas cargadas de respiración, con el trazo sutil, referencial, de una recreación objetiva o subjetiva y los tonos verdes o naranjas, azules o blancos que entonan en su pentagrama íntimo mientras mezcla en la paleta. De Romero de Torres pueden contemplarse cuadros costumbristas, retratos, realismo social o fantasías y picardía, desde “Mira que bonita era” “Angeles y Fuensanta”, “Magdalena”, “Contrariedad”, y otras mujeres morenas. De Vázquez Díaz, “Autorretrato”, retratos y paisajes… “Dama en gris”, “Otoño en Fuenterrabía”, “La iglesia de San Jorge, de Palos”, “Las Bellas Artes” o “Conde de Romanones

Vázquez Díaz escribió de Botí: “Su doble sensibilidad de músico y pintor le hace percibir la música del paisaje y el canto del mirlo que acompaña su silencio mientras pinta. Este pintor tiene su violín que deja en casa cuando viene al campo, para oír la melodía de los cielos. No cabe mejor definición que pueda hacerse de la pintura de Botí: “en sus paisajes hay que guardar silencio para escuchar la música”. Cuando Rafael Botí va a pintar el paisaje elegido, siempre le acompaña un pájaro. En nuestra España solo hay un pintor de esta pureza: Regoyos en sus pequeños paisajes franciscanos”. No es necesario escribir más.

Articulo aparecido en el “Punto de las Artes”.

 

François Boucheiz

François Boucheix est né le 7 janvier 1940 à Montcheneix, petit village aux pieds des Monts d’Auvergne. Il commence à peindre en 1957 fait sa première exposition en 1960 en Tunisie, puis expose en province. Il décide de «monter à Paris» et se manifeste en 1963 à la Galerie de Sèvres, où il rencontre Bernard Bellaïche. Il continue ensuite à exposer régulièrement à cette galerie avec d’autres artistes. Remarqué tout d’abord par Foujita, puis par Salvador Dali, il est découvert par le tout Paris en 1969, date à laquelle le commentaire du critique d’art de l’Aurore commence à circuler parmi les amateurs d’art: «La relève de Dali et de Chagall est assurée».
C’est à la suite d’une célèbre exposition de ‘Dali à Boucheix et Meissonnier’ qu’il décide d’être un peintre surréaliste de rêve et de bonheur. Toutes ses oeuvres sont chargées d’une poésie à la fois délicate et puissante; de ses tableaux se dégage comme par enchantement une union heureuse du rêve et de la lumière. François Boucheix est «un musicien de la peinture».
Depuis cette époque Boucheix a travaillé pour les meilleurs marchands et galeries et est exposé aux quatre coins du monde (plus de 32 pays): Paris, Bâle, Genève, Genolier, Zurich, Beyrouth, Londres, Berlin, Tokyo, Rome, Caracas, Riad, Jeddah, Boston, Chicago, Pékin, Bruxelles, Hambourg, et beaucoup d’autres.
Les sculptures de François Boucheix
C’est le célèbre sculpteur César, maintenant décédé, qui après plusieurs rencontres avec François Boucheix, et une soirée passée ensemble en 1992 à la Baule, a incité Boucheix à faire de la sculpture. Ses compositions sont, de ce fait, un dernier hommage rendu au grand sculpteur surréaliste. Voir notre rubrique SCULPTEURS >> .

A l’exception de quelques tirages uniques, ses sculptures sont réalisées en 12 exemplaires numérotés de 1 à 8 pour les épreuves originales et de I à IV pour les épreuves d’artistes.
Commentaire
Boucheix est référencé par tous les guides d’art internationaux. Ses oeuvres font partie de nombreuses et prestigieuses collections à travers le monde.
Le musée surréaliste de François Boucheix a ouvert ses portes en juillet 2006. Il retrace sa vie de 1957 à 2006 avec 230 peintures et 35 bronzes. Il est le premier musée surréaliste de France et nous vous invitons à une visite virtuelle par le biais du site .

Au temps qui passe
François Boucheix expose à la galerie depuis 2001.

 

Amaya Bozal

image500101oriental-head-iv-oil-pigments-and-gold-plates-over-canvas-170x120-6000-eurs-2012Amaya Bozal (Madrid, 1972)

EXPOSICIONES INDIVIDUALES (Selección):
• 1994 Madrid, Galería Sen.• 1995 Caracas, (Venezuela). Feria Internacional de Arte Iberoamericano, FIA, Galería Sen.
• 1996 Granada, Galería Sandunga.

• 1997 Buenos Aires, (Argentina), ArteBa, Galería Sen.

• 1998 Madrid, Galería Sen.

• 1998 Jerez de la Frontera, Galería Carmen de la Calle.

• 1999 Sta. Cruz de Tenerife, Galería Mácula.

• 2000 Madrid, Galería Sen.

• 2000 Sta Cruz de Tenerife, Galería Mácula.

• 2002 Sta.Cruz de Tenerife, Galería Mácula.

• 2002 New York, Paul Sharpe Contemporary Art.

• 2003 Madrid, Sala XIII.

• 2003 Madrid, Galería Sen.

• 2004 Murcia, Galería Art-9.

• 2004 Sta Cruz de Tenerife, Galería Mácula.

• 2005 New York, Paul Sharpe Contemporary Art.

• 2007 Madrid, Galería Sen.

• 2007 Sta. Cruz de Tenerife, Galería Mácula.

• 2007 Nueva York, Paul Sharpe Contemporray Art.

• 2008 Madrid, Galería Rayuela.

• 2010 Madrid, Art Madrid (Galería Rayuela).

• 2011 Madrid, “Mi viento jamás sopló” (Galería Rayuela).

• 2012 Madrid, “Colectiva” (Galería Fernandez-Brasso).

• 2012 Sta. Cruz de Tenerife, “Colectiva”, Galeria Mácula (en producción).

• 2013 Dublín, Irlanda, “Instituto Cervantes” (en producción).

COLECCIONES
• 1994 Fundación la Caixa, Colección Testimoni.

• 1994 Banco de Santander.

• 1998 Fundación La Caixa, Colección Testimoni.

• 1998 Banco de Santander.

• 1998 Museo Municipal de Arte contemporáneo, Madrid.

• 1999 ACCIONA, Madrid.

• 2000 Caixa Vigo, Vigo.

• 2001 Paul Sharpe Contemporary Art, New York.

• 2001 Colección Viña Albali, Valdepeñas.

• 2002 Fundación Mainel, Valencia.

• 2002 Ayuntamiento de Zamora.

• 2002 Colección Viña Albali, Valdepeñas.

• 2003 Ayuntamiento de Valdepeñas.

• 2005 CaixaNova, Vigo.

• 2006 Ayuntamiento de A Coruña. Premio de la Real Academia Gallega de Bellas Artes.

• 2007 Colección Bárcenas, Ciudad Real.

• 2009 Colección Bárcenas, Ciudad Real.

• 2009 Ayuntamiento de Valdepeñas, Primer Premio de escultura.

BIBLIOGRAFÍA SELECCIONADA:
• Javier Arnaldo. “La Elegía enfoscada”, cat. Exposición, Galería Sen, Madrid, 1994.

• Antonio Bonet Correa. “Razón y sentido de una colección”, cat. Colección Municipal de Arte contemporáneo, Madrid, 1999.

• Francisco Calvo Serraller. “El Saber de Amaya Bozal”, El País, 3-5-1993; “Mujeres con Arte”, El País semanal, Mayo-1998; “Generación XXI”, El País Semanal, Octubre-1999. “Cabezas doradas”, texto de catálogo, galería Sen, 2007.

• Fernando Huici. “Construcciones en el agua”, El Pais, Babelia, 1998; “Descarnada geografía del horizonte”, EL Pais, Babelia. 15 de Abril, 2000.

• Marcos Ricardo Barnatán. “Los cinco sentidos”, El Mundo, Metrópolis, Dic.-1995; “La incesante Pleamar”, El Mundo, Metropolis, Abril, 1998; “Extraños Abstractos”, El Mundo, Metrópolis, Septiembre, 1998; “Nueve novísimos”, El Mundo, Metrópolis, Octubre, 1997; “Sintonía en Rayuela” El Mundo, Metrópolis, Marzo, 2003; “Cuerpos de Mujer”, El Mundo, Metrópolis, Octubre, 2003. “Ante la última obra de Amaya Bozal”, cat. exposición. Galería Mácula. “Cabezas de Amaya Boza”l, El Mundo, Cultural, 25 Abril, 2007.

• Antonio Gamoneda. “Memoria volcánica”, cinco poemas inéditos y cinco serigrafías de Amaya Bozal.

• Ada del Moral. “Un complejo mundo interior”, La Vanguardia, 14 Febrero 2003.

• Daniel Múgica. “Pintar al aire” Mujeres al filo, El País de las tentaciones, 24-1-2002.

• J. A. Tinte. “Amaya Bozal, Paisajes del Cuerpo”, El Punto de las Artes, 27-marzo, 2003; “Torsos de Amaya Bozal”, El Punto de las Arte, Octubre del 2003.

• Carmen Pallarés. “Amaya Bozal”, ABC, suplemento cultural, Octubre 1994.

• J. Parreño. “Elogio de la mirada”, ABC, suplemento cultural, Octubre 1996.

• Francisca Pérez Carreño. “Cuerpo y paisaje de la pintura”, catálogo de exposición, Madrid 2003.

• Carlos Piera. “Paisajes minerales”, cat. exposición, Galería Sen, Madrid, 2000.

• Juan Antonio Ramírez. “Corpus Solus. Para un mapa del cuerpo en el arte contemporáneo,” capítulo 8; “La piel pintada, Aganetha Dyck y Amaya Bozal”, Ed. Siruela, Madrid 2003; “Amaya Bozal, la conquista del suelo”, texto. Cat. exposición. Galería Macula, 2004.

• Guillermo Solana. “Los ultimísimos del arte español”, ABC, suplemento cultural., “La piel constelada”, texto de catálogo, Galería Rayuela, 2008.

• Claude Delguerre. “L’âme du torse”, FLUXUS , Belgium, 2004.

• Luís de la Cruz Rodríguez. “Amaya Bozal entre paisajes y cabezas”, La Opinión, Sta. Cruz de Tenerife, 5 Mayo, 2007.

• Manuela Mena, “Y mi viento jamás sopló”, texto de catálogo, Galería Rayuela, 201.

 

BOZON CHRISTIAN

BOZON CHRISTIAN

ARTICLES: Francisco PALOMO DÍAZ
Christian Bozon es licenciado en Artes por la Escuela de Bellas Artes de Besançon, en la que aprendió a grabar con los reputados maestros George Oudot y Jean Scanreight. Su primer grabado de aprendizaje es de 1987. Desde junio de 1993 a septiembre de 1994 trabajó en el taller del Centro Cultural Francés en Tetuán, Marruecos, haciendo realidad su sueño infantil de vivir en el sur, de hablar español y de expresar el color de las tierras cálidas andaluzas y africanas[1]. En Asilah, en un encuentro de artistas mediterráneos, conoció a Francisco Aguilar y decidió ir a trabajar con él a Málaga. Desde 1995 colabora en el Taller Gravura. En 1997 y 1998 recibió accésit en Grabado en el Certamen Pablo Ruiz Picasso, de Málaga, y en el último de los años citados fue Primer Premio de la Bienal Internacional de Artes Gráficas de St Maur des Fossès. En 1999 fue finalista en los premios concedidos por la Fundation Grav’x, en París, y por el certamen «Máximo Ramos» de El Ferrol, A Coruña, obteniendo nuevamente la misma consideración en 2000 y, al año siguiente, en la Bienal D´lle de France, en Versalles, de la galería Brita Prinz, de Madrid, y de la Trienal Internacional de Kanagawa, en Japón. Desde 1990 ha hecho repetidas exposiciones de sus pinturas en grandes lienzos o de sus estampas en Vallorbe (Suiza); en
las ciudades francesas de Besançon, Lons le Saunier, París y Goux; en las marroquíes de Tetuán y Fez y en Málaga. Ha participado en certámenes gráficos de Francia, Marruecos, Suiza y España, en especial en Estampa, Madrid, desde 1995 hasta hoy. Sus grabados son vendidos o llevados a certámenes en Francia, Luxemburgo, Holanda, Alemania y Bélgica por un marchante particular que representa a una docena de artistas. El catálogo de Bozon hasta Marzo de 2002 es de unas diez litografías de aprendizaje antes de obtener la licenciatura y unos doscientos diez grabados en técnica calcográfica, de los que unos cuarenta los hizo en su período de estudios en Francia, una veintena pertenecen a la etapa tetuaní y ciento cincuenta son los realizados hasta la fecha en Gravura junto a Francisco Aguilar. Es grabador completo, dedicándose a estampar sus producciones y otras del taller. Sus técnicas preferidas, que suele emplear en una misma obra, son aguatinta y barniz blando. No ha hecho aguafuerte ni le gusta por no convenir a su carácter. Emplea la punta seca o la manera negra en obras que lo requieren. Es un artista colorista con una exquisita
predisposición para el contraste de las gamas frías y calientes o para las luces. Por la multiplicación de hasta tres planchas por obra, su refinado colorido y su luz actúan como elementos de composición. La estampación representa otro tanto o más de creatividad que la incisión de la matriz. Si él no estampara, sus grabados no serían lo que son. Es por ello que sus tiradas han sido siempre muy precisas y no han estado tan condicionadas por la demanda como por la poética que le define. Durante su etapa francesa de estudio apenas hizo tirada de sus ejercicios escolares, siendo de trece ejemplares el Libro de Artista del curso al que pertenecía. En Tetuán llegó a tirar de seis a ocho ejemplares de los collagraphs sobre matrices de cartón y en Gravura, veinte o treinta ejemplares en las obras de los primeros años malagueños y, actualmente, unos cuarenta o cincuenta. Christian Bozon es más un artista de luz y color que de línea. Entiende aquéllos como forma y, como se ha dicho, la iluminación establece la composición por zonas. Consigue una riqueza cromática que tiene el encanto orientalista de los cultos y refinados pintores africanistas de Francia: desde Delacroix e Ingres a Matisse hay una línea de exotismo imaginario que recorre el arte galo. En esta línea está Christian Bozon, en la frontera de la abstracción, pero sólo abstracta en la apariencia de zonas cromáticas y luminosas, porque una mirada más atenta descubre formas naturalistas y ambientes de interiores inundados de placidez. Se siente a gusto con el mito del sur, y tanto a él como a la crítica francesa no les cuesta mucho esfuerzo encontrar en éste el tópico, «leur caractère sauvage», sea andaluz o marroquí[2]. No dudan. La curiosidad o la ensoñación poética hacen únicos y exclusivos valores románticos. La crítica española reconoce su destreza de oficio en el grabado y la ya comentada frescura de color[3]: «El contenido de estas obras, clásico en un expresionismo sea matérico, sea tachista con los que resuelve temas al filo de la abstracción, es de una figuración sugerida, adivinada, en la línea de importantes grabadores: el gesto de Tàpies es una de las coordenadas y una preciosa lección en la consecución de los efectos y diálogos; la magia de Antoni Clavé con su parte de personajesreyes o heraldos, son influencias que este artista soluciona dando una nueva lectura a lo visto…» Aunque no tenemos un conocimiento completo de la obra de Christian Bozon, por ignorar la realizada en Besançon, vemos tres etapas en su evolución desde su establecimiento en Tetuán: la marroquí, de cubismo exótico, de 1993 a 1995; la malagueña mítica influida por las cosmogonías de Aguilar, hasta 1999 y, por último, la actual desde 2000 a hoy, que es una remembranza francesa. Una de otra son muy diferentes las tres, pero las une el afán por la conquista de la luz y porque su posición estética es francesa, aunque su prisma de visión se aclare con la cegadora iluminación mediterránea: la sugerencia sureña es sólo catalizador para que Bozon sea más francés. Su arte nunca ha captado ni interpretado las realidades marroquí o española. Nos consta que no comparte estas reflexiones. Aquí, en l´Andalousie sauvage, lejos de La France, nos parece muy Jurassien: la dulce tierra de Francia y su cartesiano ordenamiento administrativo y cultural, que tanto amamos los españoles, que miramos a la intelectualidad gala con el pensamiento puesto en los versos de Renè Char, «Des yeux purs
dans le bois cherchent la tête habitable». La estancia tetuaní tiene sus mejores y más sugestivos logros en los grabados de la Suite marocaine, de 1994, grandes obras de 530 x 780 mm.Es muy hermosa tanto en el concepto normativo de los planos yuxtapuestos como en las ondulaciones y signos que los ocupan. Es una geometrización plana, elegante hasta la decoración, como en ciertos cuadros de Braque pero con un tratamiento informalista de arañazos, punteados o quemados que contrastan con las femeninas ondulaciones paralelas, a modo de ondas, o con los campos moteados de pequeños triángulos. La exquisita tonalidad de los turquesas y habanas, ocres pardos y castaños rememora otra vez la delicada paleta poscubista, pero nunca el cromatismo marroquí del verde ceniciento con el negro, el morado, el amarillo, el oro bajo y el marrón que adornan la cerámica de Safi o el mobiliario popular. Tampoco se acerca a las singulares combinaciones de turquesa y negro safies ni a la lujosa de azul cobalto sobre blanco estannífero de Fez. Por la verticalidad de los formatos y por la paleta, parece como si Bozon hubiera hecho una síntesis de las composiciones de Braque de los años de 1911 y 1912. En sus grabados no hay letras ni collages, pero hay signos y planos yuxtapuestos, como en el cubismo sintético. Aquí no hay aquella objetividad de cosa usada, sino un colorido sensible e íntimo, subjetivo. Los de la Suite marocaine recuerdan las rejillas cubistas con filetes cruzados en rombo. En los recortes perfilados de la matriz también se recobra el hacer del cubismo. La etapa malagueña de Bozon hasta 2000 es la más conocida y objeto de las críticas anteriormente citadas. Es de una figuración mitológica de seres fantásticos y mágicos que, creemos, han sido elegidos tanto del imaginario del pintor como de los infinitos que emplea Francisco Aguilar. El modo dibujístico, los temas y los títulos lo confirman, La Frontera, Piratas, El circo, etc. Es un periodo de aclimatación a Málaga, que no tardó mucho en encontrar, y de intensa experimentación al lado de un grabador sabio y de larga experiencia como es Aguilar. Se caracteriza por una enorme libertad en el trazo y diseño de las figuras, búsqueda de efectos con rayados, humor en los motivos, etc. Pero tampoco parece español, aunque represente a Don Quijote montado en una Vespa lanza en ristre, En busca del centauro (1999, barniz blando, aguatinta al azúcar, aguatinta y punta seca). El tercer período, desde 2000 en adelante, es de optimismo, placidez, luz y alegría de color extraordinarios. Sus grabados pequeños, cuyas medidas son de 315; 270 y 139 mm., vistos en fotografía parecen pinturas en grandes lienzos. La sofisticación del colorido y de la luz no rompe el plano de la superficie. El color se abre por zonas, a modo de grandes recuadros o manchas que construyen la composición. A la primera mirada vemos una obra abstracta; sólo una observación atenta hace emerger figuras reconocibles que no pertenecen tanto al natural como al museo imaginario de la pintura francesa. De nuevo Bozon ha vuelto mentalmente al arte galo, al sistema representativo de los nabis Pierre Bonnard y Edouard Vuillard. La
riqueza de amarillos de muchos de estos grabados nos recuerda vivamente El Talismán de Paul Sérusier y, sobre todo, la sensible y jugosa paleta de Bonnard o los moteados armónicos de Vuillard, que fue un consumado litógrafo. Uno y otro tuvieron un sentido refinado, japonés, de la composición zonal y de la tonalidad, más atemperada en éste que en aquél[4]. La preciosa estampa La siesta es de dulce e íntimo encanto, como toda la producción de Bozon en este ciclo sereno y lleno de poesía, como lo fue también la pintura de los dos «profetas» citados, sin bagajes literarios, pintura-poesía de la propia pintura: Pensamientos, sobre La baigneuse de Valpinçon, de Ingres; Detrás del escenario o Ensayo, recordando a Dégas; Tarde de invierno o La siesta, sobre Bonnard. A veces, las composiciones zonales, pero no el color, parecen inspirarse en grabados de Faria, el maestro portugués, que Bozon conoce perfectamente, pues los estampa con frecuencia.

Francisco José Palomo Díaz
PROFESOR TITULAR DE LA UNIVERSIDAD DE MÁLAGA
[1] Merelo, M. Eugenia: «Christian Bozon muestra en el Taller Gravura sus «Huellas ancestrales», en Sur, de Málaga, de 1 de junio de 1996.
[2] Presentación de J. C. al catálogo de la exposición individual de Bozon en la galería Artcadache en Valorbe, Suiza, en 1996. En términos parecidos se expresa toda la crítica francesa recibida por este artista recogida en el catálogo de su exposición de grabados
en los Ateliers d´art de la Ville de Saint-Maur, París, en 4 de diciembre de 1999.
[3] «Las huellas de Crhistian Bozon», sin firmar, en Diario 16, de Madrid, de 21 de junio de 1996.
[4] Gállego, Julián: Pintura contemporánea, Estella, Salvat editores, 1971, pág. 44. ARGAN, G. C.: El arte moderno 1770- 1970, Tº I, Valencia, FernandoTorres editor, 1975, pág. 184.

 

José María Bracho Murillo

José María Murillo y Bracho (Sevilla, 1827 – Málaga, 1882) fue un pintor español de la escuela sevillana discípulo de Antonio María Esquivel, también se le conoce como José María Bracho y Murillo debido a su costumbre de firmar las obras invirtiendo el orden de los apellidos. Participó en varias ocasiones en la Exposición Nacional de Bellas Artes (España) entre los años 1858 y 1878, presentando lienzos de naturalezas muertas, conjuntos florales y fruteros. En la exposición celebrada en Jerez de la Frontera el año 1856 participó con dos lienzos de tema costumbrista titulados: Preparativos para una gran comida y Mesa revuelta.1 2 Sus obras pueden contemplarse en el Museo de Málaga, ciudad a la que estuvo muy vinculado y en colecciones particulares como la Colección Bellver de Sevilla.

 

Juan Manuel Brazan

Juan Manuel Brazan

nuevo éxito del pintor alhameño

16-03-2005.- El más destacado artista de nuestra Comarca, como es el pintor alhameño Juan Manuel Brazam, ha obtenido un nuevo éxito artístico con las exposiciones que ha presentado en Granada con proyección nacional, la primera de ellas organizada por el Ayuntamiento de Granada y que bajo la denominación de “Memoria sobre el silencio y la luz”, se ha ofrecido en los dos importantes centros culturales de la capital, el del Gran Capitán y el de Manuel de Falla, reflejándose así la importancia y dimensión de la obra de Brazam en todos sus órdenes y dentro de la historia de la pintura de Granada y Andalucía.

Una tercera exposición se ha presentado en la galería que lleva el nombre de “Rprsn-tación” la que igualmente, presentando sus últimas obras, ha resultado visitada por un elevado número de personas.

Para leer la entrevista pulsa en “Leer mas…”

Juan Manuel Brazam; “Memorias sobre el silencio y la luz”

Organizadas por el Ayuntamiento de Granada, se ha podido ver en estos días la magnifica exposición del pintor alhameño Juan Manuel Brazam titulada “Memorias sobre el silencio y la luz” que, debido a la importancia y dimensión de su obra en todos los órdenes, se ha tenido que ofrecer en dos importantes centros culturales de nuestra capital, el del Gran Capitán y el de Manuel de Falla, pudo ser visitada hasta el pasado 17 de marzo.

Juan Manuel dedicó esta exposición especial a su buen y querido amigo Francisco Izquierdo, fallecido hace unos meses y quien, precisamente participó en uno de los ciclos de conferencias del Patronato, a petición del mismo pintor alhameño, dejando un recuerdo imborrable por su elevada calidad humana e intelectual. Francisco Izquierdo, admirador de la obra de Brazam, escribió en numerosas ocasiones sobre Juan Manuel, resaltando su singularidad artística.

A la par que esta importante exposición, la galería de arte “Rpsntacion” de Granada, con sede en calle San Antonio, 1, presenta también una interesante exposición de nuestro destacado paisano, bajo la denominación de “Brazam, 25 años de pintura”, la que permanecerá abierta hasta el 23 de Marzo.

Muchos alhameños, sabiendo de la importancia de Brazam, desconocemos su obra y su forma de pensar. Su obra, en buena medida, podemos admirarla ahora en los centros culturales granadinos indicados. Su forma de pensar, en alguna medida, la tenemos en las respuestas que nos da a las siguientes preguntas.

– ¿Qué es el arte?
– En un concepto amplio, el arte te abre la puerta de la belleza, te puede hacer disfrutar de la vida y te llena de riqueza interior, te hace comprender el centro del núcleo de nuestra existencia, alivia nuestra oscuridad; no concibo al hombre si él, es inherente a él.

– ¿Qué es la pintura?
– La pintura no se puede explicar. La pintura es una lengua, que cada uno de nosotros la entiende, mientras la ve, si se crea ese lenguaje. Es una disciplina que requiere toda tu atención y dedicación. Ser pintor es una forma de vivir, de sentir, y esto no lo puedes cambiar. Realizas una obra tras otra de forma que se está creando siempre, llenándose de cada período de tu vida. Sale a través de una meditación serena, razonada totalmente, solitaria. Es una filosofía de la existencia. La pintura tiene que ver con el recogimiento. Es lo más alejado de la frivolidad. La pintura es mi manera de estar solo.

– ¿Qué buscas en tu pintura?
– Expresar la misma pintura, yo no busco el entendimiento de lo que hago, son diálogos interiores, hablar de una realidad distinta a la realidad visual, hablo con la pintura, sólo tiene que existir. La pintura tiene que ser ella misma. Nace en el alma humana como el viento en la naturaleza, en ella se refleja un micromundo pictórico que siento y que es parte de la naturaleza que no vemos y que es difícil atrapar. Mi atención está en la vibración del color, las formas sólo en su relación con la intensidad de las masas, el misticismo que da el espacio físico del formato y la espiritualidad que quiero que esté. Pintas lo que eres, todo se reduce a eso. Es meditativa, interiorizada. Un diálogo con todo lo que me ha compuesto. Siempre busco llegar a la síntesis y siempre me queda la duda de haberla encontrado. Que esté en los sutiles territorios de la poesía, que la luz del Sur esté en ella. Lienzos llenos de silencio, serenidad, inmovilidad como la montaña. Son como paisajes interiores llenos de calma. Eso da paso a la evolución de la obra.

– ¿Qué estilo o tendencia?
– Los movimientos pictóricos, van contra la naturaleza de la creación, siempre me han parecido una deformación. Me interesan las individualidades, no las tendencias. Las trayectorias coherentes de un autor que estén llenas de libertad y sentimiento. El arte no tiene normas, es la individualidad la que pone y trabaja para que estas tracen su camino. Es un error cuando intentamos fijarlo con una u otra definición. La obra que tiene interés es por un mundo propio.

– ¿Que piensas del arte del momento?
– El arte en su meditación no debe ser una búsqueda de novedades o paridas que llamen la atención como sea, hay mucho folclore, artilugios sin nada detrás. Eso sí, es divertido, entretiene pero carece de pensamiento. La influencia del dictado de Nueva York sobre estas masas de “artistas” que repiten fórmulas agotadas hace treinta años. Hay falta de personalidad, estamos en unos momentos muy confusos. Ahora vale todo, “triunfa” lo fácil. En el arte contemporáneo entran a saco “intelectuales”, galeristas artísticamente analfabetos, que con su palabrería, con sus teorías, con puestos de poder, realizan proyectos especulativos donde creen conseguir su patente de corso. Los galeristas son unos especuladores, se llega a pensar que es más importante el galerista que el artista. El sistema es tan canalla que puede que no existas. La cultura se está trocando en espectáculo y no hay espectáculo sin masas. Es más el conocimiento en sí que la expresión fundamental en el tiempo que lo conforma.

– ¿Es importante el mercado del arte?
– El mercado del arte está influenciado con unas directrices que manipulan los medios de comunicación. Estos son ingenuos (lo quiero creer así), con falta de conocimiento, les hacen montar unos saraos que nada tiene que ver con el arte, se ignora a los que no gritan. El arte tiene otras preocupaciones que el mercado. El arte tiene que ver con lo que uno siente. La pintura debe ser ética hay que hacer lo que hay que hacer, todo lo demás queda fuera. Los americanos y aquí ahora también crean falsos talentos, los explotan al máximo y después no queda nada. Los jóvenes están explotados miserablemente por las galerías.

Hay mucha gente que vive del arte que ni son artistas, ni tiene nada que ver con el arte. Triunfa lo que se vende mejor, lo que provoca, lo que hace ruido. Los intermediarios defienden lo que tienen. O estás en el mundo de las instituciones o en el de las galerías que son unos exquisitos de la ambigüedad, haciendo que casi nada sea lo que parece. No se puede ver el arte como producto mercantil porque el arte va por otro camino.

ALHAMA COMUNICACION

a Sala de Exposiciones Casa Fuerte Bezmiliana inaugura hoy una exposición del pintor Juan Manuel Brazam. La muestra permanecerá abierta hasta el próximo 29 de junio y ofrece una amplia selección de obras del pintor andaluz.

El artista, licenciado en Bellas Artes, lleva toda su vida dedicado al arte y ha obtenido importantes premios y galardones de la pintura española. Premio Nacional de Pintura con Medalla de Oro de Pintores Jóvenes Españoles, cuenta con la Medalla de Oro de la Academia de Bellas Artes de San Telmo y el premio Moreno Carbonero. También tiene uno de los más importantes que se otorga en la actualidad en España mediante la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, el Premio BMW.

Internacional

Su obra lleva ocupando un primer puesto en la plástica andaluza desde los años setenta y se encuentra en numerosos museos nacionales e internacionales, así como en importantes pinacotecas privadas de Europa y América. Ha conseguido crear su propio estilo personal y es capaz de estructurar pictóricamente cualquier temática.

La exposición se puede visitar en horario de mañana y tarde, de martes a sábado, y los domingos por la mañana.

La disolución estructural de la mancha pictórica
Pintura. Juan Manuel Brazam.
Casa Fuerte de Bezmiliana. Rincón de la Victoria (Málaga). Hasta el 29 de junio de 2008.

Juan Manuel Brazam (Alhama de Granada, 1942) ha demostrado sobradamente desde hace mucho tiempo, desde aquel lejano comienzo de su primera exposición individual en 1958, que es un pintor culto, refinado, que conoce muy bien los procedimientos Juan Manuel Brazam. Uno de los cuadros realizados en homenaje a Piero della Francesca. Temple sobre lienzo. Hacia 2002.técnicos de su oficio, y, sobre todo, que sabe interpretar con desusada originalidad el inabarcable legado de la historia de la pintura. De entre las técnicas que emplea, quizá la preferida sea el uso del temple, aspecto que proporciona a su obra un aire remoto y lejano. Usando como disolvente el agua y como aglutinante algún tipo de grasa animal u otra materia orgánica, Brazam, que suele trabajar con soportes duros, especialmente sobre tabla, otorga a sus composiciones unas delicadísimas texturas cuya vida se desprende no sólo de la materia en sí, sino de la animación cromática, unos colores que parecen emanar de la propia tabla o del lienzo.

No es extraño, teniendo en cuenta lo anterior, que Brazam sienta una predilección especial por el Quattrocento italiano, y de manera muy particular por ese gran artista que fue Piero della Francesca. A Brazam no le interesa tanto esa rotundidad volumétrica de las figuras de Piero que probablemente fuese influida por Masaccio, entre otras razones porque la obra de Brazam es decididamente abstracta, sino las delicadas tonalidades que sumergen los cuadros del pintor de Borgo San Sepolcro en una luz natural fría y clara. En toda la serie de Brazam dedicada como homenaje a Piero late esa frialdad clara del Bautismo de Cristo que se conserva en Londres. Pero, además, está también el orden y la claridad estructural compositiva, que Brazam vuelve a recoger de Piero, dejando que las manchas se organicen con regularidad y orden matemáticos. La geometría oculta de los cuadros de Piero, que ya vieran Kenneth Clark y Charles Bouleau, palpita en los cuadros de Brazam, que tampoco descuida esa obsesión por la simetría de los test del psicoanalista Hermann Rorschach. Por último señalar que otro de los lienzos más bellos está dedicado al célebre Cristo de San Plácido de Velázquez: la tierra ocre roja con diminutas manchas salpicadas de color violeta, podría ser una sugerente metáfora de la áspera tierra castellana en el declinar de la España imperial.
© Enrique Castaños

Publicado originalmente en el diario Sur de Málaga el 27 de junio de 2008

 

 

b_580_800_16777215_10_images_stories_cultura_2010_brazam_bellas_artes_29092010unknownLa institución que dirige José García Román comienza el año académico premiando a Juan Manuel Brazam, Blanca Li, Francisco J. Sánchez Montalbán y la Schola Gregoriana

“Son la otra cara de la moneda de unos tiempos que abochornan por su ramplonería”. Así de contundente se mostró ayer José García Román para presentar a los premiados por la Academia de Bellas Artes Nuestra Señora de las Angustias: la coreógrafa Blanca Li, el artista plástico Juan Manuel Brazam, la Schola Gregoriana Hispana (que dirige el profesor Javier Lara) y el fotógrafo y profesor de la UGR Francisco J. Sánchez Montalbán. Son la otra cara “de la mediocridad, la antítesis de la ignorancia, la bufonada, la ordinariez y el disparate”, continuó el presidente de la Academia en un acto que también sirvió para inaugurar el nuevo curso académico con un discurso de Margarita Orfila titulado La arqueología hoy. La epistemología de la arqueología. Además, el artista Guillermo Adolfo Pérez Masedo recibió el premio del IX Concurso Nacional de Dibujo por su obra Sin título.
Brazam sostuvo que “los artistas deben ser conscientes de que deben ser independientes, aunque veamos ejemplos contrarios constantemente”.

La coreógrafa Blanca Li (que no pudo acudir al acto y que estuvo representada por Enrique Gámez, director del Festival de Música y Danza) y el artista plástico Juan Manuel Brazam fueron premiados con la Medalla a las Bellas Artes en el acto celebrado en la Facultad de Derecho. “Siempre he declinado pertenecer a cualquier institución por un sentido de libertad y de independencia”, explicó antes del acto Juan Manuel Brazam. Pero pese a este posicionamiento personal se mostró “profundamente agradecido” por la Medalla a las Bellas Artes. También coincidió con el dibujo pesimista del momento actual que esbozó García Román en su discurso. “Pero no es en Granada sólo, pasa en todos lados aunque nos duele porque tenemos un conocimiento profundo de lugar donde vivimos”, matizó Brazam. “Es algo que está en la esencia humana, somos así y ya está”, prosiguió un artista que se califica de “atípico” entre comillas. “Soy una persona muy liberada, vivo en las afueras, estoy poco vinculado a las actividades de la ciudad… Nunca he hecho concesiones y he intentado ser un artista serio pero con total independencia, también en lo político, algo que quiero dejar claro porque nunca he pertenecido a ningún partido”, enfatizó.

Y justo en el día de la Huelga General que apoyaron escritores como Almudena Grandes o Juan José Millás, Brazam sostuvo que “los artistas deben ser conscientes de que deben ser independientes, aunque veamos ejemplos contrarios constantemente”.

En este sentido, Brazam reflexionó estos días sobre el hecho de recibir un premio en plena Huelga y sacó una conclusión: “Me parece muy bien que la cultura esté al margen de las ideologías”. Y pone como ejemplo a artistas del franquismo como Juan de Ávalos, “uno de los grandes escultores que tenía este país y del que se están desmontando todas sus obras. Si fueran de gran calidad artística no habría que tocarlas”. Y de aquí a otro tema artístico de actualidad: el Centro Guerrero. “La misma generosidad que tuvo el pintor debe tenerla la familia, la obra debería donarse a la ciudad sin esperar contraprestación”, resolvió tajante. En su caso personal, tiene pensado crear una fundación. “Todo llega y uno intenta proteger lo que ha hecho a lo largo de su vida pero, por supuesto, sin esperar nada a cambio”.

Por su parte, Francisco J. Sánchez Montalbán se mostró “muy agradecido” por la Medalla al Mérito de la Academia de Bellas Artes. Y más optimista respecto al carácter de la ciudad. “En el campo del arte veo de todo en Granada, genialidad y mediocridad”, dijo Sánchez Montalbán. “Granada respira arte contemporáneo por todos los lados y necesita un centro para acoger estas manifestaciones urgentemente”, dijo refrendando a su vez las opiniones vertidas por García Román en el acto inaugural.

Granada Hoy, 30/09/2010

 
 
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