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Archivo de la categoría: ARTISTAS (sus exposiciones, sus obras, sus biografías)

Relación de artistas que mantuvieron por cualquier causa un contacto con Antonio Segovia , bien por sus exposiciones, las críticas efectuadas o por amistad generacional.

Artur Carbonell i Carbonell

Artur Carbonell i Carbonell (Sitges31 de enero de 1906 – 1 de abril de 1973), fue un pintor surrealistadirector teatral y profesor del Institut del Teatre de la Diputación de Barcelona.

 

Biografía

Artur Carbonell era hijo del comerciante y futuro alcalde de Sitges Pere Carbonell i Mestre y de Sebastiana Carbonell i Termes. Cuando acabó los estudios del bachillerato empezó en 1923 la carrera de arquitectura, estudios que abandonó para consagrarse a lapintura. En 1925 expuso obra suya en el marco de la Exposición Histórica del Arte Sitgetà que se hizo en el Casino Prado Suburense, y hasta el año 1929 participó en un mínimo de seis exposiciones colectivas más. También publicó varios dibujos en las revistas locales L’Amic de les Arts y L’Art Novell.

Con Joaquim Sunyer, en 1929 viajó a París donde conoció tanto las tendencias vanguardistas en la pintura, como del teatro que cultivaban Sacha Guitry y Georges Pitoëff. Ambos le influyeron tanto, que desde ese momento hasta su muerte se dedicó inseparablemente a las dos artes. Así, en 1930 dirigió su primera obra teatral, L’Orfeu de Jean Cocteau, que se estrenó en el Casino Prado con Josep Mirabent i Magrans, Maria Dolors Bertran y Maria Planes como actores; poco después representaría otra obra de Cocteau,La voz humana. Por otra parte, ese mismo año también realizó su primera exposición individual, en las «Galerías Arenas» de Barcelona. Los años 30 serían de gran actividad: expuso en las Galerías Syra (1932 y 1933), en la Sala Parés, en la librería Catalònia (1936);1 fue elegido miembro de la directiva del Cercle Artístic de Sant Lluc y asesor de la junta de los Amigos del Arte Nuevo, y dirigió varias obras de teatro: Caps de recanvi de Jean-Victor Pellerin (1931). Egmont, de Goethe (1932),2 L’indigent, de Charles Vildrac,Sopar de comiat de Arthur Schnitzler y Su esposo de G.B.Shaw (1933), Antes del desayuno, de Eugene O’NeillA la salida, de Luigi Pirandello (1935), El inocente, de Henri René Lenormand (1936). También fue en este periodo que Josep Vicenç Foix le dedicó una composición en su libro KRTU, composición que acompaña a dos más dedicadas a Salvador Dalí y Joan Miró. Una edición moderna de la obra es J. V. Foix. Obra poética Barcelona: Quaderns Crema, 1983, en edición de Jaume Vallcorba-Plana.

Acabada la guerra civil española, Artur Carbonell se dedicó intensamente al mundo teatral. En el año 1940 se incorporó como profesor de «Dibujo y Realizaciones Escénicas» en el claustro del Institut del Teatre. En una tesis de doctorado de 2007 [5] se hace una comparación con la coetánea «Escuela de Arte Dramático Adrià Gual»:3

En el Instituto [del Teatro], en cambio, parecía que ni ellos mismos se tomaran demasiado en serio esto de hacer teatro, con honrosas excepciones, como Artur Carbonell en la sección de Escenografía o Bartolomé Olsina en Interpretación.

Oriol Puig Taulé, La Escuela de Arte Dramático Adrià Gual y su época.

En el año 1952 sería elegido subdirector del Institut del Teatre. Al año siguiente fundó con Marta Grau una compañía propia, el «Teatro del Arte», que representó en Barcelona La discreta enamorada de Lope de Vega (1941), Las medallas de Sara Dowey de J.M.Barrie y El Gran Teatro del Mundo de Calderón de la Barca (1943), Eco y Narciso de Calderón (1944, con Aurora Bautista y Asunción Balaguer), Medea de Eurípides (1945, nuevamente con Aurora Bautista), El tiempo es un sueño de Lenormand (1946). La mayoría de los decorados y los figurines fueron obra de Artur Carbonell, también.

En los años 50 dirigió varias obras de teatro, algunas de gran envergadura: Asesinato en la catedral de T. S. Eliot,4 y Mirra de Vittorio Alfieri (1953), Hamlet de William Shakespeare (1954), El zoo de cristal de Tennessee Williams (1959). Por el conjunto de una vida dedicada al arte escénico y a la docencia teatral, la Diputación Provincial de Barcelona le otorgó en 1971 la «Medalla al Mérito del Instituto del Teatro». Con posterioridad, Artur Carbonell haría donación de su fondo escenográfico al Instituto.5

En homenaje póstumo, en 1982 el ayuntamiento de Sitges renombró una de las calles más céntricas de la población, la «Subida de la Estación», con el nombre de «Avenida de Artur Carbonell». En el año 2000, el Grupo de Estudios Sitges le dedicó una exposición monográfica, por la historiadora Isabel Coll i Mirabent.

El Festival Internacional de Teatro de Sitges instituyó el premio «Artur Carbonell» al mejor espectáculo que se estrenara en cada edición del festival.

[editar]Referencias

  1.  Esta fue la exposición “Lógico-fobista”, organizada por l’ADLAN (“Amics de l’Art Nou”) que se hizo en mayo de 1936, i que fue la exposición más importante del surrealismo español, y la única que edito un catálogo. Algunos de los artistas que participaron fueron los pintores pintors Artur Carbonell, Esteve Francès, Antoni Garcia i Lamolla, Joan Massanet, Maruja Mallo, Àngel Planells, Remei Varo[1] y Juan Ismael González y los escultores Leandre CristòfolÀngel FerrantRamon Marinel·lo y Jaume Sans [2] [3]
  2.  El Mirador
  3.  Escola d’art
  4.  Teatro
  5.  Institut del Teatre

[editar]Bibliografía

  • Francesc Xavier Renau, Artur Carbonell i Carbonell: pintor, escenògraf i director teatral (Sitges, 1906-1973), artículo publicado en Papers d’art núm. 86 (2004)
  • Isabel Coll, Artur Carbonell, commemoració dels 25 anys de la seva mort Sitges: Grup d’Estudis Sitgetans, 1998
  • Beli Artigas Coll Artur Carbonell. Una vida dividida entre dues passions, el teatre i la pintura, artículo en Assaig de teatre núm. 18-20 (1999), p. 31-48
  • Roland Sierra i Farreras Diccionari biogràfic de sitgetans Sitges: Ajuntament de Sitges, 1998
  • Beli Artigas Coll Artur Carbonell o una vida dedicada a l’art, arttículo en La Xermada núm. 9 (1998), p. 12-19
  • Bodas de plata de Arturo Carbonell con el teatro, texto publicado en Antología de Sitges núm. 8 (invierno de 1955) p. 69-71

Enlaces externos

Nova sala al MNAC dedicada a les avantguardes catalanes

Notícia d’art

Artur Carbonell: Constel•lació

Nova sala al MNAC dedicada a les avantguardes catalanes

Museu Nacional d’Art de Catalunya
Desembre de 2008

El MNAC obre una sala monogràfica dedicada a l’art català d’avantguarda, amb obres dels anys anteriors a la Guerra Civil.

S’hi exposen obres d’Antoni Clavé, Jaume Sans, Artur Carbonell, Lamolla i Salvador Ortiga, que ingressen ara al MNAC, juntament amb els objectes de poètica surrealista de Leandre Cristòfol i a l’escultura d’Ángel Ferrant “Dones entrellaçades”, que ja formaven part dels fons del Museu. També es mostren fotografies de Pere Català Pic, Emili Godes i Josep Masana. En total, aquesta nova sala presenta 29 obres, entre pintures, collages, cartells, dibuix, escultures i fotografies, que són una mostra de la notable activitat avantguardista que es va viure a Catalunya a la dècada de 1930.

Entre les peces recentment adquirides pel Museu i que integren el nou àmbit destaquen la pintura d’Artur Carbonell “Constel·lació”, de 1933, així com 4 obres de Jaume Sans, un collage i tres olis. Entre aquests darrers destaca “Camagüey hidráulico en cuclillas”, que es va mostrar a l’Exposició logicofobista de 1936, organitzada pel grup ADLAN (Amics de l’Art Nou) a les Galeries Catalònia de Barcelona, i que ha estat considerada com una de les exposicions d’art d’avantguarda més importants de les celebrades a Catalunya abans de la Guerra Civil. Per la seva banda, el pintor Lamolla està representat amb dos olis i un dibuix en els quals, com en les altres peces, es percep clarament la forta empremta que va deixar el surrealisme internacional en la plàstica catalana. També s’inclou el cartell-collage que Salvador Ortiga va dissenyar per a l’exposició “3 escultors nous: Marinel·lo, Jaume Sans i Eudald Serra”, organitzada el 1935 sota els auspicis del grup ADLAN. D’Antoni Clavé, el MNAC ha rebut en dipòsit tres cartells de gran format realitzats pel pintor el 1934 per a la façana del cine Capitol a fi d’anunciar les pel·lícules que s’hi estrenaven, així com també l’assemblage “Home amb monocle”, de 1939.

A Catalunya, la dècada de 1930 va viure una notable efervescència avantguardista que irradiava fonamentalment de dos focus: Barcelona, on els Amics de l’Art Nou van exercir un paper clau en la promoció i difusió de l’art nou que es feia dins i fora del país; i Lleida, on un grup de joves artistes optà per trencar les inèrcies artístiques de l’escena local posant en pràctica alguns dels principis de l’avantguarda. Dels diferents ismes, el surrealisme va gaudir de gran predicament entre els artistes, sens dubte per la influència de Miró i Dalí. D’altra banda, la fotografia participava del discurs de renovació radical dominant aleshores a l’escena internacional.

Tot i que l’avantguarda ja estava present al MNAC a través de figures tan importants per a la història de l’escultura com ara Juli González, Pau Gargallo o Leandre Cristòfol; i que, des de 2007, el Museu compta amb una sala monogràfica dedicada a Picasso, fins avui les avantguardes artístiques dels anys 30 no estaven suficientment representades a les col·leccions del Museu. Les darreres adquisicions, donacions i dipòsits han fet possible dedicar-los un àmbit d’exposició permanent que omple en part el buit existent i prefigura la lectura global de l’activitat avantguardista a Catalunya la qual, a la llarga, les col·leccions haurien de permetre efectuar.

Imatge que acompanya la informació:
Artur Carbonell: Constel·lació / Constelación © Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona, 2008

Informació subministrada pel Museu Nacional d’Art de Catalunya.

 

11/12/2008

Cronologia d’Artur Carbonell i Carbonell

1906
Artur Carbonell i Carbonell neix en una casa d’ “americanos “ del carrer Illa de
Cuba de Sitges el 31de Gener. Fill de Pere Carbonell i Mestre i de Sebastiana
Carbonell i Termes.

1915
Des de molt jove ja té contacte amb el món del teatre i de la pintura. Fa un viatge
per Madrid, Toledo, El Escorial i Aranjuez. A la capital de l’Estat anirà a visitar El
Museo del Prado i assisteix a una representació dels Ballets Russos al Teatro Real
de Madrid.

1920
La família Carbonell s’instal·la a Barcelona, fet que no impedirà que segueixi una
forta relació entre Artur i el poble de Sitges.

1923
Un cop acabada la seva estància en el “Instituto General i Técnico” de Barcelona,
institució en la qual estudia el batxillerat, Carbonell entra a cursar la carrera
d’arquitectura, però la deixa poc desprès. Aquesta experiència és molt
important en la obra pictòrica d’Artur, ja que els coneixements adquirits en
assignatures com dibuix tècnic i artístic, geometria …., els posa en pràctica als
seus quadres.
Artur Carbonell és un artista polifacètic. Un personatge destacat en el
camp de la pintura i en el del teatre, sobretot en la seva vessant de director escènic.

1925
Exposa per primera vegada, al Casino Prado de Sitges dins de l’ ” Exposició
Històrica d’Art Sitgetà “ que va ser promoguda per la revista cultural de la vila,
“L’Amic de les Arts “, i amb l’assessorament de Miquel Utrillo. Durant aquest
mateix any, Carbonell també participa en “L’Exposició Estudiantil “ que
organitza la galeria Dalmau de Barcelona, sala en la qual Carbonell exposarà
diverses vegades més al llarg de la seva carrera. Participa en les Exposicions del
Penedès que es celebren successivament a Vilafranca, Vilanova i El Vendrell.

1928
En el número 30 de “L’Amic de les Arts “, amb data del 31 de desembre,
apareix un article firmat per M. A. Cassanyes, en el qual es lloa la gran capacitat
pictòrica de Carbonell. Aquest escrit anava il·lustrat per dues obres surrealistes de
Carbonell; “El Circ “ i “Orfeu i Eurídice “.

1929
Durant el mes d’octubre , Carbonell, juntament amb el pintor Joaquim Sunyer, va
a París en “viatge d’estudis”. A la capital francesa, Artur es pot amarar
de l’art més avantguardista que es fa a Europa en aquest moment. Des d’aquest
any i fins a 1936, començament de la Guerra civil Espanyola, serà quan Carbonell
esta en un millor moment, tant en el camp pictòric com teatral.

1930
Al Setembre presenta, a l’escenari del Casino Prado de Sitges, l’ obra de
l’escriptor francès Jean Cocteau (1889-1963 ), “Orfeu “, estrenada a París l’any
1926. La representació d’aquesta obra a Sitges es considera que és la primera
vegada que s’estrena una obra d’avantguarda Espanya. Durant aquest any, Carbonell
fa la seva primera exposició individual en la Galeria Arenyes de Barcelona. El
ressò de l’èxit d’aquesta exposició arriba fins a les publicacions franceses. Un
exemple és el retall de “Comoedia “(sic) de París, que apareix en el setmanari “El
Baluard de Sitges “ (13 de desembre de 1931). Article que es titulava L’exposition
Carbonell a Barcelone”.

1931
L’artista segueix viatjant per Europa , i quan torna a Sitges es posa a dirigir
una nova obra de teatre. “Caps de Recanvi” de J. Víctor Pellerin . S’estrena
per primera vegada a l’Estat el 10 de Setembre al Prado de Sitges.
Com a pintor participa a la Primer Saló d’Independents de la Sala Parés de
Barcelona.

1932
És una data important pel que fa al món cultural europeu. Es commemora el
“Centenari de Goethe”, i Carbonell, el 23 de Febrer d’aquest any, és nomenat, per
la Facultat de Filosofia i Lletres de la Universitat de Barcelona, “Mandatari a Sitges
del Centenari de Goethe a Sitges”. Per aquest motiu, el 10 de Setembre presenta
“Egmont”, al teatre Prado de Sitges, obra del gran dramaturg alemany.
També es nomenat assessor de la nova junta d’ADLAN, (Amics del Nou Art).

1933
Setembre. Presenta tres obres al teatre Prado; ”L’Indigent” de Charles Vildrac,
“Sopar d’Adéu” d’Arthur Schnitzler, i “Com ell va enganyar el marit d’ella” de
Bernard Shaw. Totes elles traduïdes al català per Carles Soldevila.
Exposa en les Galeries Syra de Barcelona, exposició organitzada per ADLAN,
en la qual hi torna a presentar el quadre titulat “El Circ”, clar representant de la
influència Surrealista en Carbonell.
També es poden veure quadres seus en el Segon Saló d’Independents de la Sala
Parés, en la segona Exposició de Primavera, celebrada a Barcelona i en la IIª d’Art,
organitzada per la Federació de Joves Cristians de Sitges.

1934
Josep Carbonell i Gener li encarrega el disseny de la portada del llibre
“Revolución Catalanista”
En sessió de Teatre Amateur, organitzada pel Lyceum Club de Barcelona al Teatre
Studium, sala propietat del joier modernista Lluís Masriera, Carbonell presenta:
“Un Caprici” d’Alfred de Musset, “Antonieta o la Tornada del Marqués” de
Tristan Bernard i “Com ell va enganyar el marit d’ella” de Bernard Shaw.
Participa en la tercera Exposició de Primavera celebrada a Barcelona, i en la IIIª
d’Art, organitzada per la F.J.C. de Sitges.

1935
Dirigeix tres obres més a la segona sessió de Teatre Amateur al Teatre Studium de
Barcelona. Aquest cop les obres representades són; “Abans d’esmorzar” d’Eugene
O’Neill, “Sopar d’Adéu” d’Arthur Schnitzler i “A la sortida “ de L. Pirandello.
Participa en al IVª Exposició d’Art de la F.J.C. de Sitges.

1936-1938
Torna a presentar obres el la sessió de Teatre Amateur del Teatre Studium de
Barcelona. Dirigeix, dissenya i fa els decorats i figurins per a “Davant de la mort”
d’A. Strindberg, “Un prometatge” d’Anton Txèchov i “L’innocent” de René
Lenomand
Participa en l’exposició del Grup Logicofavista organitzada per ADLAN.
Aquest Vantguardisme en les obres que presenta Carbonell es trenca de cop amb
l’arribada de la Guerra Civil Espanyola, en la qual ell participa activament. Es
conserven dibuixos que va fer durant els anys de la guerra i que enviava a casa seva.

1939
Un cop acabada la Guerra Civil, Artur torna a Sitges i continua dedicant-se a la
pintura i al teatre, tot i que a partir d’aquest moment s’interessa molt més pel
segon camp, tot i que es dedica a obres clàssiques del teatre espanyol, ja que la
censura de Franco posa molts impediments a seguir les tendències vantguardistes.
Al mes de desembre, presenta al Teatre Prado de Sitges “El cuento del lobo” de
F.Molnar

1940
El 3 de gener, Carbonell és nomenat per la Diputació de Barcelona, professor de
dibuix i realitzacions escèniques de l’Institut del Teatre. A l’estiu d’aquest any,
presenta en el Teatre Prado de Sitges, “Las Aceitunas” de Lope de Rueda i “El
Gran Teatro del Mundo“ de Pedro Calderón de la Barca, obra que portarà a
diferents escenaris de Catalunya durant els següents anys. Aquest cop, la
representació va en benefici de la reconstrucció de la Capella del Santíssim
Sacrament de la Parròquia de Sitges, que havia estat devastada durant la guerra.

1941
És en aquests anys quan Carbonell coneix Marta Grau, Catedràtica de
l’Institut del Teatre i del Conservatori del Liceu, i s’uneixen per fundar la seva
companyia, Teatro de Arte. La primera obra que presenta la nova companyia és
“La discreta enamorada” de Lope de Vega.
El director presenta per primera vegada un espectacle musical, “Sitges 1900- 1914”,
sota la direcció musical del mestre Manuel Torrents Girona. Aquest és un fet que es
succeeix cada setembre. En ells intervenen un grup de teatre d’aficionats del
poble. Un cop més, l’escenari triat per Carbonell va ser el del Teatre Prado de Sitges.

1942
Presenta dos olis figuratius en l’Exposició de Belles Arts de Barcelona.
Coneix al dramaturg nord-americà Tennessee Williams, autor de “El Zoo de
Cristal”, durant un viatge que aquest fa per Espanya.

1944
Exposa a les Galeries Pictoria de Barcelona. Les obres que s’hi poden veure són
17 olis i 13 dibuixos. Un quadre que forma part de l’exposició, “Nena de dol”, és
adquirit per l’Ajuntament de Sitges, sota l’alcaldia de Felip Font Soler, per
incrementar la col·lecció de la pinacoteca del poble.
Carbonell segueix dirigint obres amb la companyia que posseïa amb Marta
Grau, com “Eco y Narciso” de Calderón de la Barca al Teatre Principal de Terrassa,
primera vegada que la companyia surt fora de Barcelona, “Sponsus”, drama litúrgic
medieval, al Palau de la Música…
Cada setembre segueix fidel a la presentació dels seus espectacles musicals en el
Casino Prado de Sitges.

1945
Al mes d’agost exposa a les Galeries Xarmada de Sitges.
Amb el Teatro de Arte, estrena al Teatro Barcelona i en sessió única, “Navidades en
la Casa Bayard” de Thorton Wilder, i la tragèdia d’Eurípides, “Medea”.
Mor la seva mare, Sebastiana Carbonell.

1946
Aquest any, torna a exposar a la Galeria Xarmada de Sitges.
En sessió de l’Institut del Teatre, dirigeix “El Pozo amarillo” de J.Carmón Aznar, i
Amb el Teatro de Arte “El Tiempo es un sueño” de H.R.Lenormand i
”O’Flaherty, V.C” de Bernard Shaw.
Al Teatre Prado presenta “La Nit de l’Amor”, una obra de Santiago Rusiñol, artista
que, al igual que Carbonell, repartí la seva vida entre la pintura i el teatre.

1947
Per commemorar el IIº aniversari de la mort de Goya, fa una conferència a la
Biblioteca Santiago Rusiñol de Sitges, “Goya, David y su época. Paralelismos entre
dos vidas cruzadas”.
A l’escenari del Prado estrena una obra del controvertit dramaturg Federico Garcia-
Lorca, “Doña Rosita, la Soltera o el Lenguage de las flores” de 1900.
El 25 de febrer presenta l’espectacle “Varietè 1900-1947” al Teatre Calderón.

1949
En sessió de l’Institut del Teatre, dirigeix “Asesinato en la Catedral” deT.S.Eliot,
escriptor que havia estat guardonat amb el Premi Nobel un any abans. Té com a
escenari la Plaça del Rei de Barcelona.
Presenta en el Prado de Sitges l’espectacle musical “Sitges 1949”.

1952
És nomenat sots-director de l’Institut del Teatre, entitat que es passa a anomenar
“Escuela Superior de Arte Dramático”. Carbonell s’encarrega de la càtedra de
Realitzacions Escèniques.
En motiu del XXXV Congrés Eucarístic Internacional celebrat a Barcelona, dirigeix
els autos Sacramentals Al·legòrics de Calderón de la Barca, “El Pleito matrimonial
del cuerpo i alma”, davant del Temple de la Sagrada Família, i “El Gran Teatro
del Mundo” al Saló de Sant Jordi del “Palacio Provincial”.

1955
Any en el qual celebra els seus 25 anys en el món del teatre. En el seu honor els
alumnes de l’Institut presenten l’obra de Li-Hsing-Tao “El Círculo de Tiza”.
Pel mateix motiu, a la Sala d’exposicions del Museu d’Arts Escèniques de
Barcelona, es va presenta una exposició de figurins fets pels alumnes de l’Institut.
Carbonell dirigeix una altra obra de Lorca, “La Zapatera Prodigiosa”.

1956
El 13 de Setembre, i dins dels actes de commemoració dels 25 anys de la mort de
Santiago Rusiñol, Carbonell organitza al Teatre Prado de Sitges una sessió única en
la qual es presentaven tres obres de l’artista modernista; “Dol d’alivio”, “La casa
de l’Art” i “”Gente Bien”.

1959
Al Prado es presenta un dels últims muntatges dirigits per Carbonell, es tracta de
l’obra del dramaturg nord-americà Tennessee Williams, “El Zoo de Cristal”.

1961
Presenta el seus últims muntatges a l’Institut del Teatre. Es tracta de dues obres de
Text, “Los milagros del Jornal” de Carles Arniches i “Com ell va enganyar el
marit d’ella” de Bernard Shaw, i d’un espectacle musical, “Festival 1961”.

1971
La Diputació de Barcelona li concedeix la Medalla al Mèrit de l’Institut del Teatre.
Per celebrar-ho, el grup de Teatre del Patronat de Sitges presenta al Prado, l’obra
“Gente Bien “ de Santiago Rusiñol.
A finals d’any rep la Medalla d’Argent al Mèrit Cultural de l’Ajuntament de Sitges,
i és nomenat Soci d’Honor del Casino Prado de Sitges.

1973
El dia 1 d’abril, Artur Carbonell mor a Sitges a l’edat de 67 anys.

1977
En motiu de la celebració a Sitges del Xº Festival de Teatre, es fa un homenatge a la
persona de Carbonell. La portada del programa és un dibuix del pintor. Durant el
Festival s’organitza una exposició de quadres de l’artista en l’Estudi Vidal de Sitges.

1982
L’Ajuntament de Sitges acorda donar el nom d’Artur Carbonell a l’avinguda
anteriorment anomenada de la “Pujada de l’Estació”.

1998
Per commemorar els 25 anys de la mort de Carbonell, el Grup d’Estudis Sitgetans
organitza una exposició amb obres del pintor, i un cicle de Conferències que tracten
diferents aspectes de la vida, obra pictòrica i teatral de Carbonell.

 

 

 

Francisco Acosta Robles


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PEPE BORNOY

JOSE MANUELCUENCA MENDOZA” PEPE BORNOY” PINTOR, IMPRESOR ,POETA Y ACADÉMICO DE LA REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN TELMO DE MÁLAGA.image22621

 

 

 

 

CATÁLOGOS DE SUS OBRAS EN PODER DE LA FUNDACION:

10/05/1971

image22811Datos tomados de “Cuadernos de Arte del Instituto de Cultura de la Excma.Diputación Provincial de Málaga 11-7-1973

Ante la más reciente producción de Bornoy, un escalofrío me humedece las palmas de las manos. Tengo miedo. Siento una impresión de infinito peligro. Como si el pintor trabajara en un trapecio altísimo y sin red. Han enmudecido hasta los tambores del «más difícil todavía». Sólo queda el silencio de los saltos mortales.
¿Por qué escala ha ascendido Bornoy hasta tocar la carpa? Primero fue aquella inconcreción de los colores, titubeantes sobre fondos oscuros, pero asequibles, pero liberables: niños de luto. Luego, la concreación lineal y consciente de las gamas: niños internos en colegios suntuosos. Después, la gélida incorporación de las grafías, la amenaza mecánica: niños presos en un reformatorio. Y esto de ahora, ¿qué es?: ¿el gran desdén final o el suave balanceo que precede a la última proeza?
En apariencia se ha consumado la rendición aquí. Vuelve la cara el arte y se deshumaniza para entregarse a deshumanizados. Se da la bienvenida al material más simbólicamente despreciable: la formica. El «collage» se erige en argumento y núcleo. Se incorpora la vociferante arquitectura de la publicidad… Todo es aséptico y terrible, como es terrible y aséptico un quirófano que, sin embargo, salva.
Es extraño que sea yo quien presente esta dura experiencia: yo, un clasicista. Pero, ¿es extraño verdaderamente? ¿Qué es lo clásico, sino equilibrio, mesura y armonía? Sino volver del sensacionalismo a la reflexión; de la dispersión, al recogimiento; del «dilettantismo», a la entrega sin reserva; de¡ «snobismo», a la naturalidad… Es decir, ¿yo presento o profetizo?
En medio de estos chirridos, de estas fosforescencias paralelas, de estos gritos, ¿no está temblando, igual que una saeta, la serenidad? Si se aguza el oído, ¿no percibe un susurro? ¿No ha de tener el cuerpo también su «noche oscura» ? ¿Por qué pienso, si no, en la agonía del Huerto y su sudor de sangre?
Desde una Málaga, recamada de cochambre y de fasto, solemne y mercadera -lo mismo que Venecia, otra madrastra de pintores-, ¿nos puede sorprender esta pintura?
Antes el hombre luchaba consigo mismo dentro de sí mismo: era su batalla y su campo de batalla y su gloria. Ahora lucha contra la sociedad, que lo hace y lo deshace -ay de él si no lucha: eso querrá decir que ha sido ya vencido-. No tiene más que un arma: hablarle a la sociedad en su idioma sin olvidar el propio. A cara descubierta, siempre pierde: ha de ser más sagaz; ha de dejarse devorar, como Jonás por la ballena, y atacarla desde sus mismas vísceras. Una maquinación meticulosa y larga, que el solitario premedita en un túnel por el que avanza a tientas… Pero se puede acabar él antes que el túnel.
Por eso un vértigo me sobrecoge ante tanta renuncia, que puede conducir a la nada o al lazo de la infanta Margarita -otro lazo, otra infanta- con que Renoir definía la Pintura. La Pintura: un recado transmitido en voz baja de pocos a muy pocos… A cada vez más pocos.
Antonio Gala

Gracias, Pepe, por tu obra de gran fuselaje, donde por dentro palpita una mariposa o descarga el rayo, que nos parte por el eje.
Así implacable y delicadísimo. Es el enigma descifrado y hermético.
Lo que no nos perdona.
Gracias por esa gran máquina tuya y la yema de tus dedos.
Ahí junto al mar. que no puede verse.
Vicente Aleixandre
Intento de autocrítica

Mi madre y el carnet de identidad, siempre me han dicho que nací justo cuando todo el mundo se preocupaba más de lanzar cañonazos en la guerra ajena. Era el 1942; estaba en moda Marlene Dietrich y Los Beatles aún no jugaban a separarse, porque todavía no se habían juntado.
Todo aquel jaleo de los cañonazos, hicieron que me desorientara para toda la vida. (Luego las probas oficinas que circulan por todo el país, me han dado una contestación más exacta del porqué yo no veo ni creo clara la curiosidad cultural del devenir, -de ahí también que todos mis amigos -señalo por algo señalar-, me crean más original que el pintor ajeno-).
Mi padre que era mellado como todos los pescadores del Mediterráneo, también tuvo su pequeña participación en lo que apunta en mi esa especie de epidemia sensitiva que me hace ver igual al panadero que al avispado Sigmund Freud o que las almendras garrapiñadas. El (mi padre) jamás me compró una caja de acuarelas, ni un pincel, ni un lápiz de hacer garabatos; no me compró nada que no fuera útil para el bien común de mis otros cinco hermanos, y así nació mi tráuma-estigma, que los «OBSERVADORES» han diagnosticado ipso facto, y que tiene más lógica que la actual depauperación del agro.
Decía, que jamás tuve la ocasión de tener nada que me hiciera indagar en serio dentro de las intenciones ideológicas, sociológicas, políticas, religiosas o de simple concordancia artística.
De ahí nace mi pintoresquita racha de estulticia paisana, que hace que en cada exposición de cara al amado público que me sigue; sea cruz y raya o una especie de suma y sigue en mis
posibilidades de pintor de dulce sadismo, como mi colega en la estupidez, el insigne Forges, que para mi me merece más respeto que el otro insigne vividor de la estupidez que es López Ibor.
Así se va sucediendo mi obra y mi persona. Me he atragantada de tanto leer «Hermano Lobo» y los mórbidos ¿chistes? de Ops. Filosófico he descendido a ras de suelo para ver las inocuas rodillas de seña Encarna, con el mismo desparpajo que leo «ABC» y admiro los trabajos útiles de un árbitro «proge» que se pitorrea del pito del ajeno, como si todo en la vida fuese pito-(r)reo.
Y como dice un refrán que «En el país de los ciegos, el tuerto es el rey», pues algo así me pasa a mí, pero al revés. (Me estoy, haciendo un lio ya que no me… o sea quiero decir que… bueno, usted ya me comprende ¿no?).
Cuando yo pintaba mi etapa biológica (que es la idea más extendida que se tiene de mi obra), nadie por aquel entonces me prestó un duro; no quiero decir con esto que viviera en un planeta de ciegos, no. Lo que pasaba era que todo yo estaba muy a mano, como está ahora mi actual ingenio, mi sibilina línea o mi intencionalidad de hacer algo que realmente me demuestre que me merezco la pena para el otro Pepe, el Pepe Cuenca que nació en el seno de una familia de pescadores y que hoy se contagia de este mundo lujoso y de tan raros y radicales impactos evolutivos de su otro Pepe Bornoy. Y aquí me tienen luchando entre la espada y la pared (pared: lienzo del pintor; espada: pincel de Ramírez, pintor canario) que es mi cuadro sin empezar y que cada vez se parece más a un miura. Me estoy estrujando todo, para ver si consigo compaginar las ideas de los dos Pepes y creo que a lo más que podré aspirar en el futuro, será a que más tarde o más temprano (eso si, pero con elegancia), llegue el cliente de críticas y costumbres sin prejuicios y ¡zás!, me compre un cuadro- «collage», que tanta falta me hace.
Creo, no obstante que no están aquí en esta exposición mis mayores aportaciones al campo de las artes. Creo mas bien que yo soy un usurpador y que en lugar de pintor yo venía para fijar las imágenes que durante mis ensoñaciones voy grabando en mis pupilas. También podía haber sido un invitado especial de los espacios celestes que dicen los poetas cursis que existen en el cosmo, pero conociendo mi historia y mi prehistoria, tampoco lo crean porque no es así, y así lo confieso. Soy mas bien (y aquí si que creo haber dado en el clavo, -que en pintura quiere decir marco-), un prólogo de objetos, imágenes y signos, que en el mejor de los sentidos, quiere significar y dignificar la foto, que es la imagen de donde parto hoy para presentarles esta exposición que están viendo o que acaban de ver. (¡Casi «ná»!, que diría el andaluz).

Sala de la Diputación Provincial de Málaga
15 de Octubre de 1980. “LA PINTURA CONTEMPORANEA EN MALAGA
LA PINTURA CONTEMPORANEA EN MALAGA
Se han cumplida ya diez años de la realización de mi película La pintura de vanguardia en Málaga, estrenada concretamente en enero de 1970. Premio Málaga-Costa del Sol y premio al mejor documental español en el Festival de Cine de San Sebastián de aquel año, la película fue emitida por Televisión Española en el primer canal el 3 de octubre de 1971 y posteriormente adquirida por el entonces Ministerio de Educación y Ciencia en cuya cinema±eca educativa figura con el número 733 de catálogo. En aquel momento, opinaba que era absurdo mantener la idea de las “escuelas nacionales” y mucho más provinciales o locales, porque la teoría de las constantes históricas no cabe ya dentro de la cultura actual. Los once pintores que se presentaban en la película, ni formaban ni han formado nunca escuela o grupo, no tenían entre sí más vínculo que el generacional, el de desarrollar su obra en una misma área social y geográfica y el de estar participando en un momento histórica concreto, en la vanguardia del concierto universal de la pintura.
La denominación de “pintura de vanguardia”, no tenía otra significación que la de diferenciar lo que eran obras de ruptura con la tradición academicista y postimpresionista que dominaba las exposiciones malagueñas. Obras generalmente de investigación, cuya génesis era anterior incluso a la revolución cubista, pero que para la sociedad malagueña de los comienzos de la década de los setenta, eran totalmente desconocidas pese al tiempo transcurrido desde que la pintura, al dejar de interesarse por copiar la naturaleza más o menos académicamente, venía tomando el objeto como simple excusa ocupándose por adquirir nuevas realidades.
Este deseo de conquista de una realidad nueva, la gran fuerza motora de toda investigación artística, había ya hecho surgir una pintura abstracta en función de factores, no sólo estéticos sino también sociológicos. al tiempo que hoy se denomina “realista” desde el punto de vista del significante, a todo arte que se alimenta de la fenomenología de una sociedad en un tiempo y en un espacio determinado, una vez superada la barrera mental que supuso el naturalismo imitativo del siglo XIX.
El pintor contemporáneo, tal vez más que en otros tiempos, se ha venido sintiendo comprometido consigo mismo y con la sociedad en que vive, ya que participa más del mundo a través de los medios de información, lo que por un lado da lugar a un arte-crítica que intenta precisar situaciones históricas concretas, dar un testimonio relativo o las condiciones del hombre de nuestra época, y por no estar ya sometida la pintura a las reglas de juego que dictaban las academias, el pintor goza de, total libertad expresiva, al tiempo que contrae una mayor responsabilidad frente a los resultados.
Por otro lado, el profundo deseo de conocer la íntima esencia de la realidad y el no poder comprender ésta partiendo sólo de la imagen captada por los sentidos, conduce al pintor continuamente a una revisión entre lo vital y lo racional, produciendo discursos plásticos que actúan socialmente como revu?sívos violentos impuestos por unas formas de provocación, en donde un mundo de obsesiones se mueve en medio de una serie de contradicciones, en la entraña misma de su condición humana. Otras veces el conflicto entre razón y sentimiento, entre movimiento y organización, entre vida y orden, desaparece, y espíritu y materia se reconcilian. Se produce una esquematización de los conceptos que dan como resultado en algunos casos, cuadros donde ni siquiera el color es fundamental.
Todas estas cuestiones sobre el arte de hoy y algunas otras, estaban ya planteadas entre los once pintores seleccionados para dar a través de mi pelicu.’a una panorámica general de lo que era la pintura de vanguardia en Málaga; en aquel momento, Paco Moreno buscaba un lenguaje plástico de comunicación, posteriormente abandonado para hacer una pintura comercial postimpresionista; Pepe Bornoy hacía una obra abstracta incorporando formas y colores de infraestructura biológica; Paco Hernández preparaba aquellos cuadros llenos de temblor mediterráneo, misterio y desgarro surrealista con los que representaría a España en la Bienal de Venecia de aquel año, antes de interesarse decididamente por el magieismo objeíual que tanta influencia ha tenido en la actual generación de los pintores de Vélez; Manolo Morales, consciente de su implicación en los fenómenos sociales q políticos de una sociedad de consumo mediatizada por el sexo y la agresividad, trabajaba una obra utilizando las técnicas de las artes gráficas y los colores planos del lenguaje “pop”, obra que al poco tiempo interrumpió para dedicarse al diseño publicitario, dejando frustrado un camino que tantas posibilidades en aquel entonces tenía; Eugenio Chicano practicaba una crónica de tipo social sin que posteriormente llegara al conténido de compromiso político que su obra parecía insinuar, desviándose en años posteriores al emigrar a Italia, hacia asépticas corrientes “pop”, plenas de iconografía familiar, supuestamente vinculadas a claves-tipo, sin mayor trasfondo que el guiño literario apoyado en el personaje mito representado tras el cual no ha quedado más que el vacío de unas señas de identidad perdidas; Jorge Lindell, el teórico más serio y profundo que ha tenido el arte contemporáneo en Málaga, hacía una obra informalista ineor-
porando papeles de seda traslúcidos al lienzo, manejando indistintamente los grandes relieves abstractos de materia, en una obra de continua búsqueda que permitiera la incorporación de nuevos valores plásticos; Stefan utilizaba ya entonces los soportes de cristal de la pintura religiosa popular andaluza para realizar una obra de neofiguración, incorporando muñequitos, exvotos, juguetes fragmentados, alambres y diversos objetos brillantes, de la que posteriormente no ha sabido salir; Enrique Brinkmann, con una obra fuertemente expresionista., que a partir de 1970 empieza a aceptarse por la critica nacional sin discusión, ha venida desarrollando posteriormente una pintura llena de significantes surrealistas, expresando un mundo mágico muy personal que parte de sugestiones apocalípticas, no exentas de elementos fantásticos entre un dibujo de sutiles formas orgánicas; Gabriel Alberca, llevaba a sus cuadros hace diez años una figuración surreal nacida de la aproximación poética de dos realidades más o menos alejadas en el tiempo, creando una síntesis emotíz;a de la dialéctica entre la anécdota y el concepto, cuya obra ha influido decisivamente en pintores que le han seguido; Paco Peinado, comenzaba a traspasar al lienzo el expresionismo surrealista de su dibujo, siempre dentro de una figuración fantástica con una fuerte carga de símbolos religiosos y sexua,’es, donde la gama cromática se concretaba en negra y rojo fundamentalmente; finalmente, Manolo Barbadillo, que ya había pasado por el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, con la utilización del ordenador como procedimiento generador de las múltiples combinaciones posibles de sus módulos positivo-negativo en yuxtaposición, su obra alcanzaba unas posibilidades de desarrollo a las que nunca hubiera llegado sin el auxilio de la informática.
Estos once pintores, que por supuesto no eran todos los que podían representar lo que dimos en llamar la pintura de vanguardia en Málaga, eran sin duda alguna los más significativos de las distintas tendencias que habla y que el tiempo se ha encargado de clarificar. Hoy, diez años después, es evidente que dentro de la pintura malagueña han ocurrido muchas cosas, y que entonces eran algunos que hoy ya no son y en cambio son, otros que antes no eran .
En Málaga, ciudad en donde la arbitrariedad es norma y el rigor y la constancia excepción, después de diez temporadas galerísticas en la Sala de Exposiciones de la Diputación, cuya dirección me fue encargada a raíz de la realización de la película, han colgado sus cuadros entre las cien exposiciones individuales presentadas, todos o casi todos los pintores malagueños importantes. Cerrado ya el cielo de estas cien exposiciones de arte contemporáneo y finalizada la colección de Cuadernos de Arte que se han venido publicando como catálogos de cada exposición, era obligado replantearse el momento actual de las artes plásticas en Málaga, haciendo temporadas monográficas en donde, además de revisar a algunos pintores malagueños de la vanguardia del setenta, se incorporasen otros nombres que han ido pasando por la Sala de Exposiciones en estos años, y que me parece muy interesante estudiar conjuntamente en una misma temporada. Incluyo entre ellos a Dámasa Ruano, Pepe Bonilla, Díaz Oliva, Pepe Aguilera, López de Arróyabe, Diego Santos, Juan Béjar y Felipe Orlando.
De forma similar, la temporada 1981-82, las actividades de la Sala de Exposiciones de la Diputación se dedicará a presentar una monografía sobre la gráfica y el dibujo en una Málaga donde, en los últimos años, estas actividades artísticas han tenido un notable desarrollo y donde han surgido nombres como Pepe Faria, Pedro Maruna, Díaz Pardo y Pepe Parras entre otros, aparte de varios pintores ya citados que también tienen una importante obra gráfica.
Y con una tercera temporada dedicada al resto de las artes visuales -fotografía, cartel, diseño, cine, vi deo, etc.- espero que aparte de cumplir la función cultural que se supone debe tener la Sala de Exposiciones de la Diputación Provincial, dentro de la sociedad, suponga a nivel de estudio crítico, una delimitación de la geografía del arte contemporáneo en Málaga y un testimonio de su vitalidad creadora.
MIGUEL ALCOBENDAS

BORNOY
¿6 U 8 DE OCTUBRE DE 1942?
Todo empezó de la misma forma que empieza el universo vivo, 0 sea, siendo apenas un objeto manufacturado como respaldo de un ser humano, a medio camino entre mi madre y el cordón umbílical,
Me nacieron en plena Il Guerra Mundial, como nacen las balas, los insultos, la muerte y el fenecímiento del beso, Mi nacimiento fue ínceremonioso, de rutina, casi como una digestión puesta en estómago de persona decente. No hubo variación de ningún tipo, ni en la atmósfera, ni en el grado de interés de nade ni de nada que no fuesen los
estrictamente familiares. Era el 6 o el 8 de octubre de 1942 (tampoco en esto nadie se puso de acuerdo nunca) al borde mismo de las 11 de la noche, cuando Libra estaba en la casa de Venus o Venus en la casa de Libra, así es que tampoco me avergüenzo del destierro zodiacal sufrido por mor de la “hombreriega” Venus.
Niño de poca disciplina didáctica, como Kafka y la zurumbática Mafalda, de pocos mocos, poca salud y ningún juguete. Harto de la mucha competencia amorosa farnihar, que nos disputábamos los cinco hermanos, me propuse enseñarme a leer y lo conseguí con los tebeos de “En Guerrero del AritífaO, “Roberto Alcázar y Pedrín” y “El Capitán Trueno”. Mientras, ensartado por la luz mediterránea, observaba a los niños “salvajes”, que desde un rebalaje de moscas exhibían toda una masacre de hormigas o una cola de lagarto disecada. (Siempre estuve redímído del pecado de las hormigas masacradas y la atroz manipulación de la cola del lagaña)
Era un niño puro pese a que no había hecho la primera comunión, ni la segunda, ni la tercera (no he hecho la comunión), y cuando me aburría, me recontaba a tientas, los botones y huesos de albaricoques del fondo del bolsillo cosido a dos mitades con hilo barato y de diferente color. A veces, cansado ya de otear el horbonte de las playas de El Palo, me inventaba un barco de latón herrumbroso y soñaba con síngladuras anegadas de misteríos, de sol y salitre, más allá de donde alcanzaba la vista y donde el mar era un limpio elemento labrado a golpes de arena y a zarpazos de sol. Acaso, nunca mejor que en ese tiempo, he degustado con más apetito el sabor de sentirme atribulado por el serpenteo rudo y escabroso del caminar a ciegas por el caudal de colores que se despatarraban por mí mente: azul, cárdeno, marrón, lila, gris, amarillo, violeta, almagre, rojo, ocre, siena, naranja, verde, púrpura, blanco… Todo quedaba suspendído o estampado sobre una estrecha fachada de cal con un zócalo de negro alquitrán, o en el techo con varías goteras, de la única habitación de la casa, o clavado en una uña surgiendo de unas sandalias de gorna remendadas, o en las cuatro paredes que tienen los sentimientos de los seres que viven humillados por la vida o por el hambre.
Dejé de rascarme las pupar Aquellas plagas de pupas a contrapelo, metidas como setas, por el
bosque de poros de mi piel hasta rozar con el epitelio, residuos repugnantes de las bocanadas últimas de la posguerra. Avergonzado de mi propia epidermis, dije adiós a la vieja pléyade de recuerdos con sabor a pupas, pomadas, sandalias de goma y a digestiones ignoradas de sopas marineras y verdín picante de almejas salteadas sin rodajas de limón. Un día, se me cayó la garganta al suelo y ya no hablé más. Me hundí en la arena y un pez gigante y fantasma se me puso encima de los hombros, como una indestructible cita o como todo un limonar lorquiano de redondez dorada, y se coló escurridizo ,y tibio por la rendija abierta del pensar a lo grande. En medio, estaban las olas. Aquellas olas, más de viento que de viento-agua, más de sueño que de agua-sueño, me acariciaron los ensortijados cabellos, entonces rubios, y el brillo de la piel en un cotidiano pasar de los días, días grandes, largos, eternos (como debieran ser los días, aunque toda nuestra vida se consumiera en uno solo).
Quizá fuera el vozarrón ronco, de estertor cavernoso, el que rompía el tiempo como una puñalada en la piel seca, esa voz que se desmoronaba en lo alto de mis sienes como una catedral que se derrumba, se cargaba la historia-leyenda de mi duermevela en un santiamén, me hacía sentirme inútil dentro del sosegado mar de dudas, donde sólo la luz no creada es nítida o donde las mariposas locas vomitaban tomillo en la giba de una virgen borracha nimbada de un formol invisible.
Ya de zagalón creí que sería carpintero, que amaestraría tejados y escaleras y que las sierras circulares emitirían apólogas melodías de sirenas varadas. ¡Lástima! Si el serrín o las virutas supiesen escribir, no habrían faltado ingeniosos detritus de maderas que escribieran hasta trece o quince folios de aquella insípida andadura mía.
Tiempo después fui aprendiz de muchas cosas, peón de albañil, carpintero de nuevo. Mientras, mis vísceras se rebelaban a través de mi sentido estético, ya lo suficientemente despierto como para fastidiarme. En cada uno de estos intentos de oficios permanecí un tiempo bastante corto, como para no odiarme a mí mismo ni odiar tampoco a los jefes y compañeros que tenía. Nunca logré ahorrar más de treinta duros (de entonces) y nunca me sentí denigrado. Me sentía libre y lleno de vivencias, sentíame capaz de otras articulaciones espirituales que a lo mejor, siendo hijo de papá, no habría experimentado. Por ejemplo, ver morir una flor, el pájaro herido, la hoja que cae, el árbol podrido que rebrota milagrosamente, la nube de color plomo que camina hasta deshilacharse en la tarde, la gente en hervidero dominical por la ciudad girando hacia una dirección desconocida, eran elementos que despertaban en mí sensaciones inmensas.
Más tarde leí a un par de filósofos de moda y quise saber lo que sería si seguía sin saber lo que era en realidad. A lo más que llegué fue a ser: ¿serio?, ¿alegre?, ¿difícil?, ¿tierno?, ¿anarquista?, ¿frivolón, de esos que anuncian en la tele: “Aféitese la barbilla con la máquina eléctrica de Padilla”? Pues, parece que hubo de todo en aquellos años y yo sin saberlo, casi.
Otras cosas vinieron a llenar aquel vacío que los años idos dejaron en mí. ¡Si dijera, cuántos libros pasaron por mis manos, cuántas películas por mis ojos! Buceé desde esas incómodas butacas calientes de los cine- de barrios de programa doble. Comí pipas de girasol y papas de menta. Aprendí a corregir en lo posible mi terrible acento andaluz (por suerte no lo conseguí). Hice teatro, farándula ambulante de caminos polvorientos, exhibiendo tristes retazos de una sociedad ida en las palabras de Angel Custodio -por ejemplo- o en la picardía machacona de Arniches (a Brecht, Ionesco 0 Arrabal no se le conocía). Me interesé por el manejo de la cámara de cine, pero el primer sueño de hombre recién despertado se quedó en las barreras de una economía nula, contra el vientre feliz, desenfadado y cruel del precio del celuloide virgen.
Poco a poco apareció el estigma que ya siempre estaría conmigo. Me bauticé, cual siniestro tecnócrata, cual sarna, cual vidente que predijera la savia del arte, cual triste cagada de rubio pájaro impío, cual profeta programado que quisiera asegurar su huequecito en la historia. Tomé material adecuado y comulgué con los elementos que tenía más a mano: brochas, pinceles, táblex, lienzos, tarros, aguarrás, bastidores, colores…, y me puse a pintar. Descarté de antemano el viciado bodegón, el paisaje y, en suma, todo lo académico y la ñoñez artística. Sabía que estaba comprometido. Mi boda con el arte fue una boda simple, tópica, casi con retraso (la abuela muerta la hubiera criticado).
Como todo lo que no conocía me producía un imponente respeto y aquella distanciación existente entre mi “ambiente” y mi “mundo” era más bien andrajosa y emanaba de ella un magnetismo algo semejante a la vergüenza ajena, decidí acentuar mi curiosidad y no seguir siendo caritativo con mi timidez. A partir de ahí, mi casa, mi vida y el rodeante mundo de mi mundo comenzó a llenarse de cuadros. Jugué con esa catarata o pozo o mar de colores y formas abstractas (los “quemaillos”). Me armé de valor, cojí las alforjas y las llené de llanto, de poemas (la poesía es mi segunda gran vocación) y pinceles, de blanco congelado, de destino escéptico y desinteresado que vuelve de la nada, de carne quemada, de postre de yerbas, de saña, de luz violácea, de filamento enamorado, de inútiles protestas, de vaho, de Ravi Shankar, de ilusiones…
Después, todo vino por añadidura: exposiciones, ciudades, países, catálogos, puñaladas traperas de galerista que se suceden en cadenas, protocolos, besamanos, limosnas de los llamados mecenas del arte, trampas de los mercachifles, egregias damas siempre dispuestas para asistir a la última exposición con regocijo de intelecto (sobre todo si hay guateque), archivos referentes y referidos a mi pintura, premios. Los -premios en metálico los gasté
todos en el ejercicio propio de mi trabajo. Compré libros, discos y me enseñé a ser un pintor de “provecho”. Las medallas, diplomas, copas y demás zarandajas recibidas e insertadas en mi “pedantoteca” son objetos y cosas que he ido olvidando con el paso de los años y del mucho peso que comporta llevar todas esas “lindezas”, siempre “in mente”.
Con lo de las exposiciones sigo, a trancas y barrancas, pero sigo. Ahora me organizo partiendo de la geometría. Me sitúo delante del cuadro (que a propósito, cuando está en blanco cada vez se parece más a un miura) y juego a arrancarle jirones a los rombos, celdillas y quevedos. Líneas curvas, líneas rectas, el dodecágono y dodecaedro son mis módulos-guías, el epicentro por el cual empiezo a graduar mi pulso para que una gama agonice o eclasione lentamente sobre el lienzo.
En la actualidad, dibujo mi futuro alternando la pintura con la poesía y, dentro de la pintura que es la que más tiempo me ocupa, soy una especie de máquina calculando enmascaradas y sosegadas geometrías o, simplemente, un redomado aleteo de computadora sin pilas ni motor, que intenta minar y respirar con la mirada una terrible libertad de sueños.
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Para el pintor de proyección investigadora, la abstracción, aun habiéndola profesado como decisivo vehículo de expresión, deja de ser una meta de llegada para convertirse en tracto sobre el que instalar la reconversión plástica o el punto de partida hacia nuevos caminos. Es, en definitiva, la repetición de ese proceso mental organizado desde la idea al razonamiento.
Al recusar los manidos recursos de la figuración tradicional, el artista se ha precipitado, con gozo liberador, en la descomposición abstracta. Rotas las cadenas del dibujo, del tema asfixiante, de las fórmulas de taller, la tela aparecía ante sus ojos como la platina de laboratorio más que plataforma estética. Era el momento de que el color, la pasta, hablase de por sí el lenguaje de la erosión o el adelgazamiento, sin fronteras de contención, postulando la mancha, el chafarrinón o el arañazo, cuando no la emotividad de la superficie simplemente tintada. Este paso, salutífero y salvador del prosaismo y el amaneramiento, instalados en los campos de la figuración, comportaba asimismo un riesgo: el de la absorción de sus propios límites. La aparente infinitud de la abstracción contaba con un repertorio mínimo de combinaciones. Ocurría como con los cristalitos movidos en el caleidoscopio. Aunque no cayendo siempre igual, las repeticiones y similitudes se imponen cual camino a la fatiga.
Pepe Bornoy -malagueño rico en aventuras y en bregas estéticas desde aquella primera exposición suya en la Casa de Cultura- ha sabido emprender, experimentar y asumir la abstracción en cuanto tiene de camino liberador. Una vez adquiridas sus asimilaciones positivas, entendió la necesidad de conducirlas a definiciones más personales y creadoras. Es importante el seguimiento de la trayectoria del artista a partir de su Medalla de Oro y Primer Premio de Arte Abstracto en Alicante, hace algunos años. La alegría de aquellas manchas incontenidas, exaltadas por la vibración del color o la grafía del signo, fue desencantándose en el razonamiento geométrico. La poderosa sensibilidad decorativa de Bornoy descubrió el apoyo geométrico. Siempre la geometría estuvo en el fondo de las artes visuales. La luz, no hay que olvidarlo, se contiene en el prisma. Insensibiemente, Pepe Bornoy pisó el terreno del constructivismo. No rompía con la abstracción. Venía más bien a razonarla. Conoció, de pronto, las enormes posibilidades encerradas en cada figura geométrica, tanto para la descomposición como para la acumulación. El proceso mental encontró reflejo en el análisis de la naturaleza mineral. La mancha anárquica de la abstracción se resumía en volumen, por la contracción centrífuga, por el apretamiento. Cristalizaba al fin, aunque en estructura primigenia, susceptible de perfección.
Sobre esta que pudiéramos llamar materia-mineral estética, ha trabajado Bornoy hasta lograr su personalísimo momento constructivista. Puede decirse que el camino había sido emprendido por otros plásticos. No olvidamos los empeños primerizos de Gabo o Pevsner, las estrías de Vasarely y, en lo inmediato, las imbricadas formulaciones de Sempere. Pero en Bornoy aparece definitorio -e inexcusable- el juego de la luz. Aquí la gran sorpresa que nos brinda su exposición actual, planteada con epigrafía musical como “Variaciones sobre un tema”. Esta potenciación de la luz, razón y consecuencia de la constructividad del artista, no significa la flotación corpuscular que hiere la atmósfera con el penetrante rayo de sol, sino el razonado destello: “Por dentro palpita una mariposa o descarga un rayo que nos parte por el eje” -diría al contemplar su obra Vicente Aleixandre-. Y algo curioso: no ve al pintor manejando pinceles, sino la yema de los dedos, “rasgado a veces por una luz cegante”. Pepe Bornoy solidifica la luz, la oscurece, la empaña o la extrema hasta el centelleo. La suya no es luz difusa ni expandida. Se recorta. No funde la oscuridad, aunque no pueda evitar ese halo desprendido de las estructuras geometrizadas. Cabe confundir al artista, en su operación razonadora, con un pulidor de diamantes. O con un mago de esas apuntadas cristalizaciones minerales. Lo importante es considerar que nada se da en él por obra de la casualidad. Hasta tal punto inanda el razonamiento lineal que no admite disgregacíones formales. La representación es un todo suspendido en el espacio que va ganando la sorpresa visual merced a la gama de sus luces. Admite, sin duda, alguna, el calificativo de pintura Óptica.
El tema iínica de la muestra de Bornoy lo constituye el dodecágono-dodecaedro, su fusión y desarrollo. Esta figura geométrica absorbe su total capacidad investigadora. Maravilla la cantidad de posibilidades reveladas. Se salta de un cuadro a otro suspendido en una emoción desdobladora de facetas y luces. Diamantes cristales, materia geológica, traducen el golpe de la inspiración del pintor. Las infinitas facetas conjugan conjunciones oscurecidas unas veces, fulgurantes otras, y producen efectos visuales que a un esfuerzo de la pupila pueden adquirir la reversibilidad del negativo fotográfico. Avuda al efecto la unanimidad profundamente oscura de algunos de los fondos donde la estructura creada flota como un cuerpo en el espacio. Hay, por tanto, una cierta reminiscencia sideral en cada obra. El objeto -¿cabría llamarlo así?- puede ser de este mundo, o desprendido de una galaxia. Bien entendido que en cualquier caso no se comprende sin la decisiva mediación creadora del plástico. Para realizar su obra, Bornoy utiliza 1a pintura acrílica, de la cual obtiene fabulosas posibilidades de dicción, superadoras de la tinta plana. Sus cuadros -colgados en importantes museos de todo el mundo- evocan, ya muy lejanamente, la abstracción arranque del artista. Mantiene también la musicalidad -~,sonido, voz poética?- producto de su propia fulgencia y su exigencia estética y multifacética.
El milagro de Bornoy, en definitiva, no es el de encerrar o derramar la luz, sino el (le estigmatizarla sobre y en las formas geométricas. Milagro cartesiano. Como el filósofo de la Touraine, podría escribir en el frontis de su exposición: “Nadie entre que no sepa geometria.”
JULIO TRENAS

BORNOY ANTOLOGICA

Antológica 7-03-1979
Sala A y B de la caja de ahorros provincial de Málaga(obra cultural)

Querido Pepe Bornoy:
Me dices que vas a exponer en Málaga, en el variopinto salón de la Económica. Se nota que no te desencanta el airecillo de irónica indiferencia que por aquí suele soplar, o que ya te lo conoces y sabes con cuánta,facilidad cambia de cuadrante, para turnarse manso y acogedor. Está bien que te tire tu orilla. No es extraño que eso te ocurra a ti, que naciste viendo cómo en ella se tiraba con aliento de la beta de arrastre, y cómo se pasa pronto la rabia que ocasiona una red casi vacía. No hay esfuerzo inútil. Ya lo sostenía el mejor crítico de arte que haya tenido España en este siglo: «Sísifo fortalecía sus músculos. »
Por lo que veo, sigues ahondando en tus experimentos con la luz: una luz pura, de primer día de la Creación., concretada tan sólo en sus propias cualidades (intensidad, color, brillo) y en las formas que para su Propio uso se inventa. La vida es corta y largo el menester: no es mucho dedicar una vida humana a la luz, si el que la inventó estuvo a vueltas con ella durante toda una jornada de las suyas.
Tu proceso creativo, en lo que a la pintura se refiere, viene siguiendo un designio ejemplar. Empezaste por el caos (lo único rigurosamente abstracto), y luego separaste la luz de las tinieblas. Para entender la luz, seguiste un método rigurosamente cartesiano: cuadricularla, cubicarla, y explorar después la entidad de cada cuadrícula y de cada cubo, para recomponer, con, esos simples elementos, algo que obedeciera a un orden (no u un orden impuesto por la propia luz, a lo Vasarely, sino al que tu personal afán imperaba).
Has trabajado como un esclavo de tu tarea. Esto te lo reconocen hasta los que no se explican por qué no te has dedicado, con más seguro provecho, a pintar paisajes viciosos, puestas de .sol, marinas con veleros, que tanto decoran los menesterosos testeros que hay encima de los sofás, en los cuartos de estarcomedor. Reconocen que has estado a punto de quedarte ciego, y que si no lo estás es merced a esas galas de alambrillo, tardíamente aceptadas, cuyas virtudes te maravillaron.
Mucha más tarea te aguarda. Ahora has descubierto lo que, andada la Creación, habrían de ser el diamante y la rosa, centros de irradiante belleza. Tú tocas y retocas esas formas, vistas desde la luz, sin importarte un bledo lo que dijo el poeta del burrito. Todo está hecho para que el hombre lo manipule y lo aderece a su antojo. Porque el hombre –lo proclamó un sabio griego, que no era Qnassis- es la medida de todas las cosas.
Te deseo mucha suerte en tu solar, donde nadie es profeta. Un fuerte abrazo de
Alfonso Canales

Conferencia de Pepe Bornoy, pintor, poeta, editor y académico de San Telmo.
“La estética surrealista del Carnaval”
Málaga 29 de enero de 2002

 

François Boucheiz

François Boucheix est né le 7 janvier 1940 à Montcheneix, petit village aux pieds des Monts d’Auvergne. Il commence à peindre en 1957 fait sa première exposition en 1960 en Tunisie, puis expose en province. Il décide de «monter à Paris» et se manifeste en 1963 à la Galerie de Sèvres, où il rencontre Bernard Bellaïche. Il continue ensuite à exposer régulièrement à cette galerie avec d’autres artistes. Remarqué tout d’abord par Foujita, puis par Salvador Dali, il est découvert par le tout Paris en 1969, date à laquelle le commentaire du critique d’art de l’Aurore commence à circuler parmi les amateurs d’art: «La relève de Dali et de Chagall est assurée».
C’est à la suite d’une célèbre exposition de ‘Dali à Boucheix et Meissonnier’ qu’il décide d’être un peintre surréaliste de rêve et de bonheur. Toutes ses oeuvres sont chargées d’une poésie à la fois délicate et puissante; de ses tableaux se dégage comme par enchantement une union heureuse du rêve et de la lumière. François Boucheix est «un musicien de la peinture».
Depuis cette époque Boucheix a travaillé pour les meilleurs marchands et galeries et est exposé aux quatre coins du monde (plus de 32 pays): Paris, Bâle, Genève, Genolier, Zurich, Beyrouth, Londres, Berlin, Tokyo, Rome, Caracas, Riad, Jeddah, Boston, Chicago, Pékin, Bruxelles, Hambourg, et beaucoup d’autres.
Les sculptures de François Boucheix
C’est le célèbre sculpteur César, maintenant décédé, qui après plusieurs rencontres avec François Boucheix, et une soirée passée ensemble en 1992 à la Baule, a incité Boucheix à faire de la sculpture. Ses compositions sont, de ce fait, un dernier hommage rendu au grand sculpteur surréaliste. Voir notre rubrique SCULPTEURS >> .

A l’exception de quelques tirages uniques, ses sculptures sont réalisées en 12 exemplaires numérotés de 1 à 8 pour les épreuves originales et de I à IV pour les épreuves d’artistes.
Commentaire
Boucheix est référencé par tous les guides d’art internationaux. Ses oeuvres font partie de nombreuses et prestigieuses collections à travers le monde.
Le musée surréaliste de François Boucheix a ouvert ses portes en juillet 2006. Il retrace sa vie de 1957 à 2006 avec 230 peintures et 35 bronzes. Il est le premier musée surréaliste de France et nous vous invitons à une visite virtuelle par le biais du site .

Au temps qui passe
François Boucheix expose à la galerie depuis 2001.

 
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Juan Antonio G.Breyel

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Jaime Burguillos

El pintor Jaime Burguillos (Sevilla-1930-2003) falleció el pasado jueves 9 de enero a los 72 años. La revista digital “Pliegos de Opinión” le dedica estas páginas a manera de homenaje a su obra y a su figura.
Jaime Burguillos era un oasis en el mundo pictórico sevillano. Alejado por voluntad propia de las tendencias y grupos, su obra evolucionó desde un paisajismo postimpresionista a una pintura absolutamente abstracta donde el color adquiere su propio protagonismo. Considerado por muchos de sus colegas como uno de los mejores artistas abstractos españoles, se formó primero en la Escuela de Artes y Oficios de Sevilla y, más tarde, en la Escuela Superior de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría, en la que coincide con Carmen Laffón, Joaquín Meana, Jesús Soto y Luis Gordillo, entre otros.
Realizó su primera exposición en Sevilla en 1958 en la galería La Rábida. en 1963 se traslada a Madrid donde permaneció unos veinte años, desvinculándose en cierta manera del mundo cultural sevillano. En esa etapa trabajó con la mítica galerista Juana Mordó hasta la muerte de ésta. Ese fue un momento fundamental en su carrera pues pasó a pertenecer a una galería que en esa época aglutinaba a los artistas más relevantes del arte contemporáneo.
“Cuando entra en contacto con aquel grupo, en el que están Lucio Muñoz, Zóbel, Gerardo Rueda o Saura, va decantándose, ya a finales de los 60, hacia esa especie de mosaico colorista que se le conoce hoy, esa pintura vibrante a base de pequeñas pinceladas, en la que el color se convierte en el leit motiv de su trabajo, tan poético”, afirma José Antonio Chacón, director del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo en las páginas de Diario de Sevilla.
Empedernido lector, la obra de Burguillos fue evolucionando hacia el intimismo abstracto y nutriéndose de las enseñanzas de Turner, Kandinsky o Bonnard, en constante búsqueda de las emociones y los sentimientos.
En 1997 la Fundación el Monte llevó a cabo una exposición antológica con el título de “Jaime Burguillos. Pintura 1955-1995”, que tuvo lugar en el Convento de San Clemente.De vuelta en Sevilla para 1981, Burguillos crea en la ciudad “su propia isla”, en palabras de Gordillo, quien afirma que “no parece un pintor sevillano, la suya es una luz poética que no tiene nada que ver con el exterior”.
La última exposición, titulada “Obra reciente”, realizada el pasado mes de mayo en la galería sevillana Rafael Ortiz, fue calificada por el artista en ABC de Sevilla como “mi obra más madura. Me ha costado muchísimo hacerla -declaraba- casi dos años de trabajo.” Burguillos confesaba que él mimaba sus cuadros, “creo que una obra nunca debe aburrir. Eso decía Paco Molina de mis cuadros, que siempre se podían ver”.
Numerosas colecciones y museos poseen obra de este pintor, entre ellos el Reina Sofía de Madrid, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, la Fundación Juan March, el Museo Winterthur de Suiza, entre otros. Dos cuadros de Burguillos forman parte de la colección del Palacio de San Telmo (presidencia de la Junta de Andalucía), así como de colecciones como la de Monte de Piedad de Sevilla, Diputación Provincial de Sevilla, entre otros.
Dos obras de Jaime Burguillos también forman parte de la pasada exposición del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, titulada “Andalucía y la Modernidad”, que revisaba la creación andaluza desde el año 1957 al 2000.
El pintor Luis Gordillo decía el día de su fallecimiento en Diario de Sevilla que Jaime Burguillos “era una persona muy poética, muy lírica. Su obra no da estampidas, calambres, es una obra sosegada en la que hay que saber entrar, porque no es fácil para estos tiempos en los que hace falta gritar y llamar la atención. Él se mantuvo al margen, creó muy pronto un estilo propio y personal y le fue fiel durante toda su vida: esa especie de puntillismo, que nada tiene que ver con el puntillismo luminístico de los impresionistas, porque donde los impresionistas buscan el efecto físico, luminoso, él pretende una resonancia personal, muy poética e interior. La realidad de la calle no le interesaba mucho, lo que le interesaba era una melodía interior”.image46161.jpg

 

Palmira Abelló

Palmira Abelló
El alcalde de Torremolinos, Pedro Fernández Montes, tiene previsto inaugurar esta tarde a las 20,30 horas, en la Sala de Exposiciones del Ayuntamiento de Torremolinos, una interesante exposición conjunta de pinturas de Palmira Abelló y esculturas de H. Reed Armstrong, dentro de la programación prevista por el Ayuntamiento para el presente mes de mayo.
Nacida en Madrid en 1934, Palmira Abelló ingresó en la Escuela de Periodismo en 1954 pero se licenció en Filosofía y Letras en la Universidad Complutense de Madrid, en la rama de Lenguas Modernas, especialidad en Filología Inglesa.
Trabajó en el “Reading Room” del British Museum (Londres), recopilando datos para su tesis sobre el “Ulises” de James Joyce.
Amiga de grandes escritores como Pío Baroja, Buero Vallejo, Camilo José Cela, Gerar Brenan o Ernest Hemingway, en lo picórico, Palmira Abelló es audidacta, a partir de 1960, cuando inició su trayectoria artística en Torremolinos, obteniendo muy pronto las críticas más favorables y protagonizando a lo largo de su carrera importantes exposiciones en numerosas galerías de arte, entre ellas la “Fortuny” de Madrid, “Studio 75” de Bilbao, “Tycal” de Barcelona y “La Capitale” de Paris.
La obra de Palmira Abelló está orientada básicamente hacia los retratos y las flores y es una pintura sosegada y tranquila, aunque al mismo tiempo exponente de una intensa vida interior, ensoñadora y poética, con técnica depurada y exquisita, culta y plena de madurez y de sabiduría formal en la que proliferan evocaciones que se remontan hasta el retrato en la época del Renacimiento y llegan al romanticismo, el impresionismo y el simbolismo.
Realizadas siempre con pintura acrílica, las figuras femeninas de sus retratos, ensimismadas y con la mirada fija en un punto indeterminado, están creadas a base de gestos y de manchas, sin preocuparse aparentemente del dibujo, pero sustentadas en una sólida estructura que transmite la imagen misma inmersa en una atmósfera de iridiscentes transparencias y suaves transiciones tonales.
Perfectamente armonizada, la gama cromática de estas aristocráticas, elegantes y poéticas composiciones es abundante en verdes, tierras, negros, azules y amarillos. Además, algunas de sus mujeres, como Veronesa, tienen algo espectral y lejano, algo así como apariciones venidas de un tiempo muy remoto y de regiones desconocidas y misteriosas.
Extraordinario es el ambiente espacial en el que surge la figura, de ojos hundidos como cavernas profundamente oscuras, mientras que otras veces, como en Tadmoor II, son las delicadas texturas terrosas de la piel, de las mejillas y del cuello, las que atrapan al espectador, fascinado ante tan distante acumulación de elementos poéticos.
Pero quizá sea en Marieta donde la soltura y espontaneidad de la pincelada, así como la evanescencia de las formas, alcancen sus más altas cimas, inundadas de fragilidad y de misterio.
En cuanto a Hamilton Reed Armstrong (Greenwich, Connecticut, 1937) es un antiguo conocido en el campo de la escultura en Málaga y en toda la Costa del Sol, alguien a quien sin duda no se le ha tributado áun el homenaje que merece por su obra, empezando por su pieza más emblemática, la estatua del poeta y filósofo hebraico-español Solomon Ibn Gabirol, nacido en Málaga hacia 1020 y muerto en Valencia en 1050 o 1058, realizada en 1967 y colocada en los jardincillos de la judería en la calle Alcazabilla de Málaga, y de la que en Torremolinos se muestra desde hoy otra versión del mismo año a escala mucho más reducida.
La doctrina de Ibn Gabirol, recogida sobre todo en la Fuente de la vida, y cuya clave es la teoría de una materia, substrato común de lo corporal y de lo espiritual, y de una forma, está maravillosamente transmitida en la escultura de Armstrong, tan estilizada y, simultáneamente, tan capaz de fusionar el alma y la materia.
Toda la obra del escultor estadounidense, basada en el modelado del barro, está transida de una honda religiosidad y en sus retratos de cabezas femeninas se advierte la huella de las manos del autor, quien ha modelado la materia para darle esa forma intensa y llena de vida que demanda el espíritu.
La Exposición que se inaugurará esta tarde permanecerá abierta hasta el 27 de junio y podrá ser visitada de lunes a viernes de 9,30 a 13,30 horas.

Pintura y escultura. Palmira Abelló – H. Reed Armstrong.

Centro de Exposiciones de Benalmádena. Avenida Antonio Machado, 33. Hasta el 4 de junio de 2006.

La obra de Palmira Abelló (Madrid, 1934), orientada básicamente hacia los retratos y las flores, es una pintura sosegada y tranquila, aunque al mismo tiempo exponente de una intensa vida interior, ensoñadora y poética, de técnica depurada y exquisita, culta y plena de madurez y de sabiduría formal, con evocaciones que se remontan hasta el retrato en la época del Renacimiento y llegan al romanticismo, el impresionismo y el simbolismo. Realizadas siempre con pintura acrílica, las figuras femeninas de sus retratos, ensimismadas y con la mirada fija en un punto indeterminado, están construidas a base de gestos y de manchas, sin preocuparse aparentemente del dibujo, pero sustentadas en una sólida estructura que transmite la imagen misma inmersa en una atmósfera de iridiscentes transparencias y suaves transiciones tonales. Perfectamente armonizada, la gama cromática de estas aristocráticas, elegantes y poéticas composiciones es abundante en verdes, tierras, negros, azules y amarillos. Algunas de sus mujeres, como Veronesa, tienen algo espectral y lejano, algo así como apariciones venidas de un tiempo muy remoto y de regiones desconocidas y misteriosas. Extraordinario el ambiente espacial en el que surge esta figura, de ojos hundidos como cavernas profundamente oscuras. Otras veces, como en Tadmoor II, son las delicadas texturas terrosas de la piel, de las mejillas y del cuello, las que atrapan al espectador, fascinado ante tan distante acumulación de elementos poéticos. Pero quizá sea en Marieta donde la soltura y espontaneidad de la pincelada, así como la evanescencia de las formas, alcancen sus más altas cimas, inundadas de fragilidad y de misterio.

Por su parte, Hamilton Reed Armstrong (Greenwich, Connecticut, 1937) es un antiguo conocido en el campo de la escultura en Málaga y en toda la Costa del Sol, al que sin duda no se le ha tributado el homenaje que merece su obra, empezando por su pieza más emblemática, la estatua del poeta y filósofo hebraicoespañol Solomon Ibn Gabirol, nacido en Málaga hacia 1020 y muerto en Valencia en 1050 o 1058, realizada en 1967 y colocada en los jardincillos de la judería en la calle Alcazabilla de Málaga, y de la que aquí se muestra otra versión del mismo año a escala mucho más reducida. La doctrina de Ibn Gabirol, recogida sobre todo en la Fuente de la vida, y cuya clave es la teoría de una materia, substrato común de lo corporal y de lo espiritual, y de una forma, está maravillosamente transmitida en la escultura de Armstrong, tan estilizada y, simultáneamente, tan capaz de fusionar el alma y la materia. Toda la obra del escultor estadounidense, basada en el modelado del barro, está transida de una honda religiosidad. En sus retratos de cabezas femeninas advertimos la huella de las manos del autor, quien ha modelado la materia para darle esa forma intensa y llena de vida que demanda el espíritu.

 

 

 

© Enrique Castaños Alés

Publicado originalmente en el diario Sur de Málaga el 5 de mayo de 2006image6878

 
 
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